La emoción del arte

El paso del tiempo

2012-02-12T03:06:00.000-08:00

Una serie de fotografías que he reunido de mi rostro en el que se muestra el paso del tiempo y los cambios que se suceden en la fisonomía. Algunos de mis autorretratos están intercalados con las fotografías del momento en que los pinté (únicamente el primer retrato de mi época adolescente está pintado por mi padre el pintor Oriol Martí). He editado este vídeo con Morphing y los rostros se funden uno con el otro creando una sensación de movimiento. La música es de Elvis Presley y los Beatles.

Una curiosidad realizada con las nuevas tecnologías.

¡Vais a ver como pasa el tiempo!

El arte de la provocación: Damien Hirts

2012-01-05T04:35:00.000-08:00

Damien Hirts con una de sus creaciones.

En una entrevista publicada en la revista 'Radio Times', el pintor inglés David Hockney ha desatado una intensa polémica en el panorama artístico británico al lanzar un duro ataque contra el artista Damien Hirst, al que le critica por utilizar asistentes y no realizar él mismo sus obras.

DAVID HOCKNEY . Autorretrato, 1955
oil on plywood, 24x18 in.

Como siempre la fama conlleva más fama, porque ya sea una crítica constructiva o destructiva, mientras se hable sobre el artista en cuestión este permanecerá en el candelero, que al fin y al cabo es lo que pretende el arte de la provocación y el artista provocador.

David Hockney es un gran artista, no cabe duda, y uno de los más influyentes del siglo XX, admirador de Bacon y uno de los principales artistas del movimiento Pop inglés. Su alejamiento inicial de la abstracción en pro de una figuración muy particular, un tanto expresionista, lo distancia de las tendencias más vanguardistas y del conceptualismo actual. No es de extrañar pues su postulado y posicionamiento respecto a la tendencia actual de las escuelas cuando afirma: "Yo solía insistir en la escuela de arte que puedes enseñar las técnicas, pero no puedes enseñar la poesía. Pero ahora intentan enseñar la poseía y no la técnica".

David Hockney pintando una de sus obras

Estoy absolutamente de acuerdo con esta afirmación, sin embargo difiero en cuanto critica que la obra debe ser realizada enteramente por el propio artista. A mi juicio lo más importante de una obra de arte es el resultado, no el proceso como afirman los conceptuales, con lo cual los medios empleados para realizarla carecen de importancia. Lo primordial es que la obra sea estética y que transmita una vibración en el interior del espectador, una emoción armónica en su colorido y forma, una melodía que tanto pueda ser bella como expresar cualquier otro sentimiento. Artistas como Miguel Ángel, Rubens o Delaunay se habían servido de ayudantes para realizar vastas obras que requerían de colaboradores, obras que de otra forma no existirían. Lo importante, además de la estética que menciono más arriba, es que el artista dirija y sea el creador de la obra, al igual que un director de orquesta sin el cual los músicos no podrían tocar la pieza armónicamente o un director de cine que dirige a sus actores y cámaras para la consecución de su obra final. Sin embargo sí creo rotundamente que las obras plásticas de formatos pequeños o medios las debe realizar el propio artista.

El caso de Damien Hirts que tanto critica Hockney, es diferente. Este polémico artista que tiene como sistema escandalizar al público con sus animales disecados en formol y sus calaveras humanas decoradas con brillantes, afirma respecto a sus obras de círculos de colores que "Cuando vendo una, uso el dinero para pagar a gente que haga más. Ellos lo hacen mejor que yo. Yo me aburro, me vuelvo impaciente". Aquí creo que ya no cabe la creación ni la emoción que requiere una obra de arte que se precie, ya que nos da a entender que se desentiende con "su aburrimiento" de esta emoción, tan importante durante el proceso de creación para que el resultado nos pueda emocionar. El artista debe emocionarse y plasmar estas sensaciones.

Damien Hirts y su calavera de brillantes.

En muchas de las obras de Hirts es obvio que se requiere la "colaboración". Sobre su "estética" una imagen vale más que mil palabras, pero quizás una excepción está en la monumental The Virgin Mother .... vosotros mismos.

Podéis leer el artículo en "El Mundo.es"

For the Love of God

LSD by Damien Hirst

The Virgin Mother

Os deseo un feliz año con mucho arte

2011-12-25T04:24:00.000-08:00

Vista de la Ermita de Sant Pau (Sant Pol de Mar - Barcelona)
Retoque y efectos con Photoshop a partir de un gouache original
de Guillermo Martí Ceballos

A todos aquellos que amáis y apoyáis el arte,

sin todos vosotros los artistas no podrían existir.

Os deseo lo mejor para el nuevo año 2012.

¡Siempre con mucho arte!

Una película burlesca sobre el arte contemporáneo

2011-12-17T10:43:00.000-08:00

Os paso una película bastante insólita de una productora de cine de arte independiente y alternativo, Lagilda Films, realizada por Eudald Subirà y Christopher Jordi Lara. Como veréis es una sátira burlesca sobre el arte contemporáneo actual. En este film se ponen de manifiesto las banalidades y aberraciones artísticas de este arte "vanguardista", el cual es apoyado por esa "literatura" de palabras vacías y sinsentido. Entre otras cosas nos muestra un egocéntrico y vanidoso "artista" que ha llegado a un nivel superior y que desdeña cualquier tipo de enseñanza académica.

Si se me permite diría que el film, o mejor dicho documental, me parece excesivamente largo, lento y tedioso, pero, en mi opinión, la intención que pretenden sus creadores es precisamente esta: aburrir y cansar al espectador al igual que el arte contemporáneo hace con sus víctimas. A mi juicio, quizás el "artista" ficticio que aparece en el film, Carles Seipat, tendría que haber sido caricaturizado con un "look" más transgresor y "snob" que con el aspecto de persona normal con el que aparece. A pesar de todo me parece una interesante iniciativa por parte de estos atrevidos productores que ponen de manifiesto la verdadera mentira en la que el arte contemporáneo ha sido arrastrado.

Os paso también la página web del film en la que encontraréis una sinopsis y algunos detalles sobre la producción del film.

http://www.contemporaneolapelicula.com

Sinopisis;

Contemporáneo" es un retrato de la realidad de las artes plásticas y del arte en general de nuestro tiempo, fundamentada en una vacuidad que se refleja en la deformación de la belleza y la estética, condenándolas a su extinción. Carles Seipat es un artista contemporáneo de éxito y prestigio internacional, alabado por los críticos y venerado por los seguidores de las corrientes artísticas de vanguardia. Seipat es el arquetipo del artista banal, mediocre y vulgar que ha proliferado en el último medio siglo, donde la supuesta genialidad es elegida por estimaciones arbitrarias, despotismo académico e intereses particulares, económicos y políticos. Esta es una visión personal e intimista del abandono y la alienación a la que se han visto reducidas las bellas artes. "Producir cualquier sonido no es hacer música... moverse de cualquier forma no es bailar... trazar cualquier línea no es pintar."

Contemporáneo Lagilda Films por lagildafilmshttp://www.contemporaneolapelicula.com

La poesía de Samantha Barendson

2011-12-01T15:59:00.000-08:00

Hoy me voy a apartar de las artes visuales para hacer una breve incursión en el arte de la poesía. Eso sí, aprovecharé para intercalar algunas de las pinturas que realicé en mis estancias en Lyon con motivo de una exposición en esta bella ciudad francesa.

Desde siempre me ha gustado leer y también escribir pequeños textos, diría mejor artículos o comentarios, pero soy un profano en materia de poesía, tengo que reconocer mis grandes deficiencias es esta vertiente artística, a la que únicamente he fijado mi atención en breves incursiones dentro de la prosa o de la novela convencional. Casi siempre, cuando he encontrado estas pequeñas muestras de versos incluidas en textos más largos, las he leído intentando entenderlas de una manera literal, sin conseguir en muchos casos una comprensión muy clara de su significado.

Hace unos días recibí un pequeño libro de poesías de una buena amiga, Samantha Barensdon, que me hizo profundizar algo más en este desconocido arte de las palabras. Leyendo estas poesías me percaté que una poesía se tiene que leer, al igual que se debe ver una buena pintura, más con el sentimiento y con la emoción que no con el entendimiento y la razón. Las palabras son como los colores y las formas, se deben colocar con un cierto orden y distribuirlas de manera que fluyan armónicamente para llegar a nuestra alma. Saber reconocer el significado literal, en el caso de la pintura sería el objeto o motivo, carece de importancia si su contenido más profundo puede remover nuestras emociones y al mismo tiempo crear un elemento nuevo y más expresivo, que se aparte de lo intrascendente y convencional para explicarnos lo que no se ve y lo que se siente.

Esto es, releyendo las palabras de Samantha, lo que he observado en su obra "Los delitos del cuerpo" (Les délits du corps), pequeño libro de poesías escrito simultáneamente en español y en francés, lenguas ambas que domina a la perfección, tanto por su nacimiento y raíces como por su lugar de residencia.

Samantha Barensdon nació en Vilanova i la Geltrú (Barcelona), hija de madre argentina y padre italiano, vive actualmente en Lyon donde trabaja en Relaciones Internacionales en la Escuela Normal Superior. Después de haber hecho estudios de literatura hispanoamericana en la facultad de Lyon 2, donde analiza los cuentos de Cortázar y la ausencia de puntuación en El otoño del patriarca de Gabriel García Marquez, se dedica a trabajos de traducción. Actualmente consagra las horas de la noche a la escritura poética. De los muchos proyectos en curso, varios tienden a cruzar el camino de otros artistas como el poeta Jean de Breyne, el ilustrador Kid Leone, el pintor Max Partezana y el director de escena Manuel Pons.

Aun siendo estos textos de Samantha bellos requiebros de palabras, en algunos casos lejanos para nuestra razón, su significado tanto literal como expresivo es agradablemente legible y de fácil comprensión. El amor, el amor imposible, el desencuentro y la soledad ante la vida, a veces el sinsentido y la búsqueda de algo que no llega ni llegará, se mezclan en la poesía de Samantha con un sentimiento y una emoción de una vida intensamente vivida.

Como siempre una muestra puede ser mucho más convincente que mis palabras. Os recomiendo su lectura.

Me enamoré de ti hace treinta años

de aquellos poemas que escribías,

cuando yo apenas nacía

Me enamoré de aquella foto tuya

con la pinta del momento

de aquel cabello largo

y de tu barba

Y de repente

con este abismo

entre nosotros

con tu vida

dos veces

como la mía

¿Qué hacemos?

Paso las noches despierta

a buscarte entre las líneas

paso los días despierta

a esperar aquellas cartas

donde aprendo

a conocerte

donde entiendo

cuanto te quiero

Podéis adquirir directamente esta obra (dedicada) a través de:

Samantha Barendson

sbarendson@free.fr

A través de:

Christophe Chomant Éditeur

16, rue Louis Poterat

76100 ROUEN

christophe.chomant@wanadoo.fr

A través de internet (pago Paypal)

http:// chr-chomant-editeur.42stores.com

Las casas por el tejado

2011-11-22T08:21:00.000-08:00

Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela

Un interesante artículo de Angeles Caso, publicado en el Magazine de la Vanguardia, que critica el despilfarro de estos nuevos edificios "culturales" que "no albergan nada". Ciertamente, "pomposos contenedores que contienen vacío" promovidos por pseudointelectuales de pacotilla, que carecen de cualquier criterio funcional y práctico, nuevos ricos snobistas que buscan satifacer su ego y llenarse los bolsillos sin importarles el verdadero arte ni la verdadera creación.

Por lo que he podido saber, en el caso concreto de "La Ciudad de la Cultura" de Santiago de Compostela, este complejo dispondrá de diversas instalaciones: una biblioteca y hemeroteca de Galicia, un museo de la historia gallega, un edificio de nuevas tecnologías, un teatro de la música, un edificio de servicios centrales y de administración, y las Torres en memoria al arquitecto de Nueva York, Hejduk, desaparecido en el 2002. Por lo que apunta quedará terminado en 2012. Esperemos que no sea una más de las "tumbas vanguardistas", impolutas y asépticas a las que no asisten más que los "pseudointelectuales" y los patrocinadores, y que desgraciadamente resultan muy caras de mantener.

Felicidades por el artículo

LAS CASAS POR EL TEJADO

Matisse y el arte de simplificar la pintura

2011-11-11T11:34:00.000-08:00

Autorretrato, 1906

Cuando Gustave Moreau, maestro del joven artista Henri Matisse, observaba una de las obras de su alumno, exclamó de manera profética: "Usted va a simplificar la pintura", y ciertamente fue una afirmación llena de clarividencia que sentaría las bases del arte y la filosofía de este genial pintor , plasmando con sus vibrantes colores y sus formas simplificadas los sentimientos y la belleza en su estado más puro.

No le fue fácil seguir el camino sentenciado por su maestro. En sus inicios con el fauvismo (se le puede considerar el padre de este movimiento) fue duramente criticado por sus "colores chillones" y por "su impasibilidad de ánimo exquisita y refinada"; nada podía ser más ofensivo para él que consideraba que "...no se puede hacer arte sin pasión", y resume con estas palabras su ideal y su objetivo con respecto al "arte del equilibrio, de la pureza, de la tranquilidad, sin contenido inquietante o preocupante, que produzca el efecto (...) de un calmante, algo así como un cómodo sillón para recuperarse de las fatigas físicas"

Bodegón con naranjas, 1923

Cuando analizo hasta que extremos ha llegado en muchos casos el arte actual de vanguardia, con sus excentricidades, abusos y desconciertos, me gusta recordar los pensamientos de los que los que sin lugar a dudas tienen bien merecida su imortalidad como artistas geniales, palabras que ponen en entredicho las aberraciones a las que el arte está expuesto en nuestros días: " ... Es necesario dominarlo todo.- continua Matisse -. Hay que mantener la calma; el arte no debe inquietar ni confundir - tiene que ser equilibrado, puro y sereno -."

Si bien Matisse es considerado como cabeza teórica y guía del fauvismo, a lo largo de su obra se ve claramente que pasaba de un estilo a otro con sorprendente libertad, tanto realizaba una técnica de composición realista, como una pintura de superficies planas en las que los colores sin sombras producian la sensación de volumen y perspectiva. Eso es para mi lo propio de una obra magistral, que no se queda con una fórmula - tan repetida en el arte actual por falta de imaginación - , que busca nuevas direcciones, siempre dentro de este arte de equilibrio, de pureza y de sosiego.

Idole, 1906 (Litografía)

Vista de Coullioure y el mar, 1907

Desnudo yaciente, 1936

Gilles Neret describe con acertadas palabras la magia de Matisse " .. Dotes tan vastas como extraordinarias, y que brotan todas de una doble cualidad: por una parte de su extarordinario sentido del ritmo líneal, ritmo a la vez continuado y particularmente flexible, es decir, capaz de abandonarse a las variaciones más extrañas sin interrumpir jamás la continuidad y de permitir remontar el tema a través de todos sus meandros. En segundo lugar, de ese sentimiento infalible de la armonía de los colores, que no se contenta con un acorde perfecto, sino que añade siempre un elemento sorpresa, una nota inesperada que hace exclamar: ¡Dónde diablos habrá encontrado este color... y sin embargo qué logrado!"

Odalisca con magnolias,1923

Veo en la obra de Matisse una simplificación que él mismo explica : "Voy a realizar todo esto -refiriéndose a una decoración para un estudio- con los medios más simples y escasos, que son los que mejor permiten al pintor expresar su visión interior". Sin embargo, como buen creador que es no se ciñe a una fórmula única, parte de su obra está repleta de arabescos, volutas , telas, estampados y flores que no se limitan a una decoración trivial, sino que desempeñan una función primordial en la melodía orquestral del lienzo. Sus Odaliscas -observadas fielmente en su visita a Marruecos- nos demuestran el grado de "osadía" que muchos críticos de la época escriben en sus crónicas, tanto para encumbrarlo como para criticarlo.

Femmme au chapeau

Madras rouge, 1907

En cuanto a sus retratos femeninos, se le recriminaba que no podían ver en muchos casos el parecido con el modelo, él respondía: "Si yo encontrase a tales mujeres por la calle, emprendería la huida horrorizado. "Ante todo no he creado una mujer, sino que pinto un cuadro". Es decir, se puede deducir de sus palabras que para Matisse lo importante en un cuadro no es el motivo en sí, sino la manera de pintarlo; tanto el fondo como el retrato forman un conjunto indivisible del que resulta la obra total, todo debe estar en concordancia y expresar mediante formas y colores bien dispuestos tanto la armonía de la superficie como su profundidad espiritual. El parecido físico le resulta pues intrascendente, sin embargo "cada figura tiene su estilo particular, y ese ritmo crea el parecido". Pero entonces surge la pregunta: ¿Para qué necesita el pintor el modelo si después se aparta de él? Y Matisse responde con ironía: "Si no tuviera un modelo, no podría deshacerme de él", es decir de alguna manera expresaba la necesidad del modelo como punto de partida para "abandonarlo" de forma premeditada, lo que le daba esa fuerza creadora basada en la realidad del su inconsciente.

Otro asunto relevante en Matisse son las deformaciones de sus figuras ¿Porqué estas exageraciones? Potenciar esa expresividad y el ritmo particular es el objetivo principal. Ya Ingres fue el primero en su perfecto dibujo en realizar esas transformaciones en su Gran Odalisca que al parecer tiene tres vértebras más: "Un cuello de mujer nunca es demasiado largo" y sigue diciendo Ingres a sus alumnos " Cargad la mano en los rasgos dominantes del modelo...pronunciadlos, si es necesario, hasta la caricatura. Digo la caricatura a fin de destacar la importancia de un principio verdadero".

Ingres - "La gran Odalisca "

No quiero terminar estas confesiones de este artista mutante sin hacer alusión a otra vertiente tan importante como es la escultura. Él mismo explica este paso de la pintura hacia las tres dimensiones: "Se trataba de organizar mis sensaciones, de encontrar un método que me conviniera de forma absoluta...Siempre estaba atento a dominar constantemente mi cerebro, a crear una especie de jerarquia de todas mis sensaciones que me habrían permitido llegar a una conclusión".


Pequeña cabeza dorada, 1907

La serpentina, 1909

Si algo a mi juicio es uno de los logros más espectaculares de Matisse es poder hacer dos cosas al mismo tiempo, es decir, fusionar la abstracción con la realidad y complementarlas una en la otra, con un orden diríase que perfecto, pero sin duda guiado por la razón, el conocimiento del oficio, la intuición y una intensa emoción.

Tristeza de rey, 1952

Exposición en Baladia Restauració

2011-10-10T11:02:00.000-07:00

Os mando información sobre mi próxima exposición en

"Baladia Restauració"

un precioso edificio modernista de principios del siglo XX

Ver Baladia restauració

Inauguración:
jueves 13 de Octubre de 2011

a las 20 h

Exposición hasta al 12 de Noviembre

Organiza la galería
GAL-ART

Horario:
De Martes a Sábado de 10 h a 18.30 h
Jueves - Viernes - Sábado
también abierto a partir de las 20 h
Domingo tarde y Lunes cerrado

Como llegar

Passeig Baró de Viver, 56

Argentona - Barcelona

Tel. 93 797 40 08

Guillermo Martí Ceballos
Chica tomando café
Acrílico sobre tela, 60x60 cm

La copia como apredizaje en la pintura

2011-09-27T04:19:00.000-07:00

Autorretrato copiando un cuadro

Bouguereau

Desde la antigüedad la copia de las obras de los grandes maestros era un sistema de aprendizaje habitual en los talleres y escuelas de pintura y una práctica muy significativa. Además de una efectiva enseñanza era una manera de conocer y adentrarse en una mente excepcional y conocer con profundidad tanto la técnica como el proceso llevado a cabo por el maestro. Un aprendiz debía copiar la obra de su maestro, las pinturas de otros talleres y las de los artistas de otras épocas, y a medida que hacía progresos, adquiría los conocimientos necesarios para realizar los encargos y las obras concretas que el maestro, bajo su supervisión, le ordenaba realizar. Después ya podía pensar vender su propia obra si decidía independizarse del maestro.

Casi todos los grandes artistas copiaron a sus predecesores e incluso a los artistas de su época. Poussin copió a Tiziano; Van Dick a Rubens, Manet a Velázquez, Rembrant y Goya; Cézanne a Delacroix entre otros muchos y Van Gogh se inspiró y copió en numerosas ocasiones a Millet, Daumier y Monticelli. Por su parte Picasso también copió a Velázquez, Delacroix, El Greco, Courbet y Manet y se inspiró en el arte africano; Matisse realizó numerosas copias en el Louvre; Derain copió a Brueghel y Ghirlandaio y Dufy a Renoir. Más en la actualidad Francis Bacon hizo variaciones sobre el retrato del Papa Inocencio X de Velázquez y así podríamos continuar ya que la lista es interminable. Todos ellos adquirieron grandes conocimientos con la copia, sin embargo por aquel entonces no existían los excelentes libros de arte que hay en la actualidad y los artistas debían copiar, o bien directamente del cuadro en los museos o talleres, o bien de viejas estampas o grabados existentes.

Retrato de Felipe IV pintado por Velázquez (1657)

En el centro copia realizada por Picasso (1897)

A la derecha copia realizada por Martí Ceballos (1988)

Actualmente este método de enseñanza y aprendizaje ha sido prácticamente abandonado y abolido en las universidades de arte, y creo a mi juicio que esto es un grave error, si bien algunas escuelas aun lo practican. También algunos museos y galerías permiten en la actualidad copiar directamente delante de la obra original, pero la dificultad que esto supone puede ser sustituida en la práctica por una buena reproducción de un buen libro de arte e incluso un poster de buena calidad en tamaño real. Sin duda, copiar cuadros célebres de grandes maestros es un ejercicio extraordinariamente provechoso, ahora bien realizar una buena copia requiere una gran habilidad y un buen conocimiento de la técnica.

Yo personalmente he realizado numerosas copias siempre de buenas reproducciones de libros; algunas no quedaron tal como yo hubiera deseado, pero siempre he comprobado que de los errores se aprende mucho; en otras conseguí y obtuve mejores resultados que fueron incrementándose con la práctica.

Os muestro a continuación algunas de mis viejas copias de las cuales muchas ya no están en mi poder. También podéis ver algunas "academias" realizadas del natural, bodegones en especial, que también recomiendo como práctica a los futuros artistas que deseen aprender este oficio. Como veréis la mayoría de aquella época son copias de artistas del pasado, siglos XVII al XIX, muy alejadas de mi manera de trabajar actual, pero que sin duda me sirvieron para adentrarme en estas mentes privilegiadas y adquirir parte de la técnica y el conocimiento que requiere este gran oficio que es la pintura.

Podéis ampliar las fotos haciendo clic sobre ellas

Velázquez (1599 - 1660)
Copia de tres retratos al óleo realizados por Martí Ceballos

Vermeer (1632-1675)
"La joven de la perla"
Copia al óleo de Martí Ceballos

Caspar Netscher (1639-1684)
"La encajera"
Copia al óleo de Martí Ceballos

William Hogarth (1697-1764)
"La joven de los camarones"
Copia al óleo de Martí Ceballos

William Hogarth (1697-1764)
"Contrato de matrimonio" (detalle)
Copia al óleo de Martí Ceballos

Thomas Gainsborough (1727-1788)
"The Market Cart"
Copia al óleo de Martí Ceballos

George Stubbs (1724-1806)
Copia al óleo de Martí Ceballos

Dos retratos de Goya (1724-1806)
Copias realizadas al pastel por Martí Ceballos

Daumier (1808-1879)
"Los críticos)
Copia realizada al pastel por Martí Ceballos

Copia realizada por Martí Ceballos
de un retrato al óleo
de uno de sus antepasados

Martí Ceballos
Bodegón con tetera- Óleo (1992)
Estudio del natural

Martí Ceballos

Bodegón con botella y taza - Pastel (1992)
Estudio del natural

Martí Ceballos

Cráneo y vela - Óleo (1992)
Estudio del natural

Mi padre el pintor Oriol Martí Valls

2011-09-04T02:41:00.000-07:00

Autorretrato de 1948

Hoy, 4 de septiembre, se cumplen cinco años de la muerte de mi padre, el pintor Oriol Martí Valls , y es para mi una necesidad y un orgullo hacerle este pequeño homenaje virtual en internet, tecnología que no coincidió con su tiempo, para que más amantes del arte puedan conocer breves pinceladas de su biografía y sobre todo poder contemplar algunas de sus obras. Es mi intención también poner de relieve la figura de mi padre dentro del paisajismo de la segunda mitad del siglo XX y que las personas que puedan adquirir una de sus obras, ya sea a través de subastas o por mediación de cualquier galería puedan conocer su recorrido artístico y la importancia de su legado.

Mi retrato hacia los 10 años
realizado por mi padre.
Óleo sobre madera, 1968

También es mi deseo comentar que la influencia que ejerció mi padre por mi posterior amor hacia la pintura y el conocimiento que obtuve en estos primeros contactos con la técnica y el estilo impresionista son hechos obvios. Recuerdo de niño verlo pintar cuando llegaba del colegio. Por aquel entonces, tuvo que dedicarse principalmente a la decoración de interiores para sacar a su familia adelante, ya que la pintura era un medio de vida insuficiente, sin embargo nunca lo abandonó totalmente. Dedicaba algunas de sus horas libres a realizar encargos de copias de cuadros famosos o antiguos, paisajes de los pintores flamencos del siglo XVII, escenas de caza (actividad a la que era muy aficionado), escenas costumbristas, etc. No puedo olvidar mi admiración al ver aquellas figurillas de campesinos con la camisa roja que contrastaban con el verde campestre de los paisajes antiguos, aquellos veleros y corbetas repletos de mástiles y correajes, con sus velas desplegadas en un mar color plata y apacible, aquellas perdices sin vida pero que poseían un plumaje que daban ganas de acariciarlo. Sin duda esto caló fuertemente en mi y trazó mi posterior camino.

A los pocos días después su fallecimiento, publiqué en una revista local de Sant Pol de Mar, un escrito sobre su vida y algunas informaciones personales sobre su figura humana y artística. Transcribo íntegramente dicho escrito traducido al castellano, y también incluyo más abajo la versión original en catalán tal como fue publicado. Añado al final de estos textos una de las críticas publicadas sobre sus exposiciones en los diarios de la época.

Oriol Martí. Huerto en Primavera,
1991 - Óleo sobre tela

ORIOL MARTÍ VALLS: EL AMOR POR LA NATURALEZA

El pasado 4 de septiembre nos dejó Oriol Martí Valls, el pintor de Sant Pol de Mar, a la edad de 80 años. Escribir sobre alguien tan cercano y querido, como era mi padre, puede pecar de falta de objetividad hacia su figura como artista, pero también puedo decir, que la proximidad que por razones de sangre nos unían, hace que pueda describir con más profundidad su calidad humana. Intentaré pues, hacer un pequeño resumen biográfico y humano, de aquello que sé por lo que él mismo me explicó, por lo que otros me han relatado y por lo que yo puedo aportar como pintor y como hijo.

Sant Pol de Mar hacia 1930

Sant pol de Mar hacia 1930

Oriol Martí Valls, mi padre, nació en Sant Pol de Mar , un pueblo de la costa catalana a 45 Km al norte de Barcelona, un 20 de Diciembre del año 1925 ya que por aquel entonces sus padres, barceloneses de nacimiento, se habían trasladado a vivir al pueblo donde veraneaban. Hijo del poeta y antiquario Antoni Martí Monteys, ya desde el comienzo de su vida, verá desfilar por la casa paterna delante de sus ojos a poetas, artistas, intelectuales y toda una “troupe” de personajes diversos y bohemios que marcarán para siempre su destino.

Autorretrato a lápiz, 1948

Con la llegada de la Guerra Civil Española (1936) la familia se traslada a la población de Sant Feliu de Codines, un pueblo del interior, huyendo del hambre y de los bombardeos que sufría Barcelona. Durante tres años, aquellos ojos infantiles, absorbieron los colores y la belleza de la naturaleza, hecho que también será decisivo para entender el conocimiento profundo , el amor y la fidelidad de armonias que posteriormente supo trasladar a su obra pictórica.

Acabada la guerra, la familia vuelve a Barcelona. Empieza los estudios primarios, pero no fue nunca un buen estudiante, razón por la cual su padre decidió que aprendiera un oficio ralacionado con su vocación artística. Trabaja en diferentes talleres de decoración y restauración de muebles. Al año siguiente, Oriol ingresa a la academia de dibujo y pintura de Nolas Valls compaginándolo con la Escuela Massana, donde cursa estudios de dibujo y decoración.

Retrato al carbón de Oriol Martí realizado por
su maestro Porcar

Entre el 1949 y 1950 pasó largas temporadas en Castellón , pintando en la casa del destacado artista Juan Bautista Porcar, otro de los personajes que rodeaban la casa familiar de sus padres. Relata su sobrino Jaume Infiesta, en el libro que editó de su tío, El Pintor Oriol Martí, que en una de las visitas que realizó a la casa de Porcar en Castellón, este le preguntó: “¿Tu tío “l’Oriolet” continúa pintando?”. Ante su respuesta afirmativa Porcar dijo: “Mira chico, por aquí han venido muchos jóvenes para aprender mi arte y mi forma de trabajar, pero ninguno lo ha conseguido ¡Ah! Tan sólo el “puñetero” de tu tío, ¿y sabes porqué? Porque “l’Oriolet” tiene el don. Dile que siga pintando, porque su facilidad hay que aprovecharla”.

Oriol Martí pintando en Sant Pol de Mar (1948)

En 1951 pinta conjuntamente, con su amigo y maestro Emili Bosch Roger en las calles de Barcelona. De este maestro aprenderá a captar el movimiento de las figuras y la simplificación del paisaje urbano, de Porcar la profundidad, la convergencia de las líneas y estos cielos llenos de movimiento que lo hacían inconfundible. Paisajista por naturaleza era de los pocos pintores que plantaba su caballete desafiando la luz y las inclemencias del tiempo captando el momento fugaz de esta naturaleza que él tanto amaba y conocía, sin embargo "se atreve con la figura y sale bastante airoso de su cometido.." - Crítica publicada en el Correo Catalán en 1950. En los años años 1951 y 1954 hizo sus primeras exposiciónes en solitario en la prestigiosa Sala Rovira de Barcelona consiguiendo una buena respuesta por parte del público coleccionista y de la critica.

Oriol Martí. Retrato de una modelo, 1948

Oriol Martí. Retrato de su esposa Mº Victoria,
1954 - Óleo sobre tela

Se casa en 1954 y es padre progresivamente de cinco hijos. Este hecho le cambiará su destino como pintor absoluto y para poder llevar el peso de su familia tendrá que dedicarse durante unos años a la decoración de interiores. En el año 1976, siempre siguiendo sus impulsos artisticos, será director de una Galería de arte. Después de este alejamiento circunstancial y relativo de la pintura, Oriol vuelve a remprender este camino que interiormente nunca habia dejado; desde entonces en ningún momento lo abandonará hasta su muerte.

Oriol Martí. Desde Can Villá (Sant Pol de Mar), 2000

Estos son los hechos más relevantes de su biografía, pero la personalidad de mi padre no se puede separar nunca de su obra pictórica; el hombre y su obra eran un todo inseparable. Bohemio, sentimental, romántico y con un conocimiento profundo de la naturaleza; “no se puede pintar aquello que no conoces, aquello que no vives” decía a menudo. Oriol era hijo del pueblo de Sant Pol de Mar , aquí nació, y aunque la ciudad de Barcelona fue su lugar de residencia habitual, aquí vivió gran parte de su vida y aquí fue donde nos dejó, y es por esto que el verde de los pinos, sus cielos de plomo, “el grop” como él los llamaba, el mar y la barca dormida, la salida del sol naciente y el contraluz con las blancas casas que se volvían azules y violetas, eran tan próximas, tan reales y a la vez tan emotivas. Nunca se quiso embarcar con la llamada “Vanguardia pictórica”, aun teniendo más que suficientes aptitudes y técnica para hacerlo; su “vanguardia” era su propia pintura, su propia caligrafia dentro del impresionismo; sus inquietudes eran superarse a si mismo en aquello que él creía y sentía. No era amigo de los “vernissages” y de la “literatura” que hacían los criticos de arte sobre la pintura; “Yo pinto y basta” decía emulando al pintor Isidre Nonell.

Oriol Martí hacía 1998

Oriol era bohemio, vivía siempre el presente sin pensar en el futuro. Pasó momentos económicamente precarios, parece ser este uno de los estigmas del artista, pero con su espíritu aventurero y apoyado por la fuerza de su esposa, Mª Victoria, siempre salió a flote dignamente. A veces lo veía todo negro, pero al día siguiente volvía a ver la vida repleta de colores. Era sentimental y romántico y por esto se emocionaba y disfrutaba de las pequeñas cosas de la vida ; podía contagiar a todos su amor por la naturaleza, amaba a su familia, era amigo de sus amigos y podía conversar largamente y disfrutar con el más simple de los seres humanos o con el más instruido e intelectual hombre de la alta sociedad; eso sí, cuándo alguien no le gustaba se alejaba de él sin ningún miramiento.

Oriol Martí, exposición a Sant Pol, 2005

El pasado mes de Agosto tuve la satisfacción de hacer una exposición en Sant Pol de Mar con mi padre y mi sobrino, también pintor, Nico Brunet . Mi padre la tituló Tres Generacions; fue una iniciativa que concibió con mucho entusiasmo, como si se diese cuenta que podía ser su despedida y el legado que quería compartir con los suyos. Viendo yo sus telas no podía dejar de admirar que aquella fuerza, aquella precisión y aquella verdad pudiesen salir de aquellas manos temblorosas y de aquellos ojos apagados por la enfermedad; y es que todo aquello no le salía de sus manos, ni de sus ojos, no, todo aquello le brotaba de su corazón y de su alma, que es la verdadera fuente de donde sale todo el arte.

Oriol Martí Valls, mi padre, “un representante particular de un especimen humano en vías de extinción...”, palabras de Claudi Puchades en el mágnifico prólogo del libro El pintor Oriol Martí. Ahora este “especimen humano” nos ha dejado. Los que lo queríamos lo tendremos en el recuerdo para siempre; sus amigos, que él sabía elegir muy bien, también lo recordarán por su manera especial de entender la vida; y los que no le conocían tan profundamente o ni siquiera lo conocían, podrán disfrutar para siempre de sus pinceladas que salían con pasión de la parte más intima de su alma .

Su hijo

Guillermo Martí Ceballos

Septiembre de 2006

Oriol Martí pintando en Sant Pol de Mar (1974)

Pintando "en plein air", 1972

ORIOL MARTÍ: L’AMOR PER LA NATURA

El passat 4 de setembre ens va deixar l’Oriol Martí Valls, el pintor de Sant Pol, a la edat de 80 anys. Escriure sobre algú tan proper i estimat, com era el meu pare, pot pecar de falta d’objectivitat vers la seva figura com a artista, peró també puc dir, que la proximitat que per raons de sang ens unien, fa que pogui descriura amb més profunditat la seva qualitat humana. Intentaré dons, fer un petit resum biográfic i humá, d’alló que sé per lo que ell mateix em va explicar, per lo que altres m’han relatat i per alló que jo puc aportar com a pintor i com a fill.

L’Oriol Martí Valls, el meu pare, va neixa a Sant Pol de Mar un 20 de dessembre de l’any 1925. A les hores els seus pares, barcelonins de naixement, s’ havien traslladat a viure al poble on estiuexaban. Fill del poeta i antiquari Antoni Martí Monteys, ja desde el començament de la seva vida, va veura desfilar devant dels seus ulls a poetes, artistes, intel.lectuals i tote una “troupe” de personatges diversos i bohemis que van marcar per sempre el seu destí.

Durant la Guerra Civil la familia es trasllada a Sant Feliu de Codines i durant tres anys, aquells ulls infantils, van absorbir els colors i la bellesa de la natura , fet que també esdevindrá primordial per entendre el coneixement profund , l’amor i la fidelitat d’armonies que posteriorment va possar a la seva obra pictórica.

Acabada la guerra, la familia torna a Barcelona. Comença els estudis primaris, però no va ésser mai bon estudiant, raó per la cual el seu pare va decidir que aprengués un ofici ralacionat amb la seva vocació artistica. Treballa en diferents tallers de decoració i restauració de mobles. A l’any seguent, l’Oriol ingressa a l’acadèmia de dibuix i pintura d’en Nolas Valls alternant-ho amb l’Escola Massana, on cursa estudis de dibuix i decoració.

Entre el 1949 i 1950 va passar llargas temporades a Castelló, pintant a la casa del destacat pintor J.B. Porcar, un altre dels personatges que envoltaven la casa familiar dels seus pares. Relata el seu nebot Jaume Infiesta, en el llibre que ell va editar El Pintor Oriol Martí, que en una de les visitas que ell mateix va fer a Can Porcar a Castelló, en Porcar li va preguntá: “El teu oncle l’Oriolet, continua pintant”. Devant la seva resposta afirmativa en Porcar va dir: “Mira noi, per ací han vingut molts “xiquets” per apendra el meu art, la meva forma de treballar i cap no ho ha conseguit. Ah! tan sols el “punyetero” del teu oncle, i saps perquè?. Perquè l’Oriolet té el do. Digues-li que seguixi pintant, perquè la seva facilitat cal aprofitar-la.

El 1951 pinta conjuntament, amb el seu amic i mestre E. Bosch Roger a Barcelona. D’ aquest mestre apendrá a captá el moviment de les figures i la simplificació del paisatge urbá, d’en Porcar la profunditat, la convergència de les línies i aquest cels plens de moviment que el feian inconfunible. Paisatgista per naturalesa era dels pocs pintors que plantava el seu cavallet desafiant la llum i les inclemències del temps captant el moment fugaç d'aquesta naturalesa que ell tant estimava i coneixia, no obstant això "se atreve con la figura y sale bastante airoso de su cometido..." - Crítica publicada en del Correo Catalàn a l'any 1950. L’any 1951 i el 1954 va fer la seva primera exposició en solitari a la Sala Rovira de Barcelona tot aconseguint una bona resposta per part del públic col·leccionista i de la critica.

Es casa al 1954 i es pare progresivament de cinc fills. Aquet fet li cambiará el seu destí com a pintor absolut i per poder portar el pes de la seva familia aura de dedicarse durant uns anys a la decoració. L’any 1976, sempre seguin els seus impulses artistics, será director d’ una Galeria D’art. Després d’aquest allunyament circumstancial de la pintura, l’Oriol torna a rependra aquet camí que interiorment mai habia deixat; desde llavors en cap moment ho va abandoná, fins a la seva mort.

Aquets son els fets mès rellevants de la seva biografia, pero la personalitat del meu pare no es pot separá mai de la seva obra pictórica; l’home y la seva obra eran un tot inseparable. Bohemi, sentimental, romántic i amb un coneixement profund de la natura; “n o es pot pintà alló que no coneixes, alló que no hi vius” deia sovint. L’Oriol era fill de Sant Pol , aqui va neixa, aquí va viure gran part de la seva vida i aquí ens va deixar, i per aixó la verdor dels pins, el seus cels de plom, “el grop” com deia ell, la mar i la barca adormida, la sortida del sol ixent i el contrallum amb les blanques cases que es tornaben blaves i violetes, eran tan properas, tan reals i a la vegade tan emotives. Mai es va volguer embarcar amb l’anomenada “vanguarda pictórica”, tot i tenin més que suficients aptituts i técnica per fero; la seva “vanguarda” era la seva propia pintura, la seva propia caligrafia dins de l’impressionisme; les seves inquietuts eren superar-se a si mateix en alló que ell creia i sentia. No era amic dels “vernisatges” y de la “literatura” que feian els critics d’art sobre la pintura; “Jo pinto i prou” deia emulant al pintor Isidre Nonell.

L’Oriol era bohemi, vivía sempre el present sense pensar en el futur. Va passar moments económicament precaris, semble esser un dels estigmes dels artistes, però amb el seu esperit aventurer i recolzat per la força de la seva muller, la Mª Victoria, sempre s’en va ensurti dignament. A vegades o veia tot negre, pero l’endemá o tornaba a veura la vida plena de colors. Era sentimental i romántic i per aixó s’emocionaba i gaudia de les petites coses de la vida ; podía encomená a totom el seu amor per la natura, amaba la seva familia, era amic dels seus amics i podía conversar llargament i gaudí amb el més simple dels essérs humans o amb el més instruit e intelectual home de l’alta societat; aixó sí, quant algú no li era del seu agrat s’allunyaba d’ell sense cap mirament.

El passat mes d’agost vaig tindre la satisfacció de fer una exposició a Sant Pol amb el meu pare i el seu net en Nico Brunet . Ell mateix la va titulá “Tres Generacions”; va ser una iniciativa que va concebre amb molt entusiasme, com si s’adones que podía ser el seu acomiadament i el llegat que volia compartir amb els seus. Miran jo les seves telas no podía deixar d’admirar que aquella força, aquella precisió i aquella veritat poguesin surtí d’aquellas mans tremolosas i d’aquells ulls apagats per la malaltia; i es que tot alló no li surtia pas de las seves mans, ni dels seus ulls, no, tot alló li manaba del seu cor i de la seva ánima, que es la veritable font d’on surt tot l’art.

L’Oriol Martí Valls, el meu pare, “un representant particular d’un especimen humà en vies d’extinció...”, paraules d’en Claudi Puchades en el mágnific prolèg del llibre “El pintor Oriol Martí”. Ara aquet “especimen humà” ens ha deixat. Els que l’estimaben el tindrem en el record per sempre; els seus amics, que ell sabia triar molt bé, també el recordaran per la seva manera especial de entendre la vida; i els que no el conexien tan profundament o ni tan sols el conexien, podrán gaudir per sempre de les seves pincellades que surgian amb passió de la part més intima de la seva ánima .

El seu fill

Guillermo Martí Ceballos

setembre de 2006

Oriol Martí. Sant Pol de Mar (Barcelona),
Óleo sobre tela, 1999

Oriol Martí. Teulades a Canet de Mar (Barcelona),
Óleo sobre tela, 1991

Oriol Martí. Sant Pol de Mar (Barcelona),
Óleo sobre tela, 1999

Oriol Martí. Girona,
Óleo sobre tela, 1992

Oriol Martí. Nena marginada,
Óleo sobre tela, 1990

Oriol Martí. Mercat de la Concepció (Barcelona),
Óleo sobre tela, 1991

Oriol Martí. "La Cabra" ( Calella)
Óleo sobre tela, 1990

Oriol Martí. Ramblas (Barcelona),
Óleo sobre tela, 1992

Oriol Martí. Sagrada Familia de Gaudí (Barcelona),
Óleo sobre tela, 1992

Oriol Martí. Casa Batlló, 2002 (Barcelona)
Óleo sobre madera.

Oriol Martí. Onades, 2001
Óleo sobre tela.

Oriol Martí. Paisatje , 1990
Óleo sobre tela

Oriol Martí. Pati interior. Patio de su
estudio en el Barrio de l' Eixample de Barcelona.
Óleo sobre tela- (Barcelona) 1990

Oriol Martí. Port de Palamós (Girona), 1990
Óleo sobre tela

Oriol Martí. Sant Pol de Mar, 1990
Óleo sobre tela

Oriol Martí. Montjuich (Barcelona), 1994
Óleo sobre madera

Oriol Martí. Casetes de la Riera (Sant Pol de mar), 1994
Óleo sobre tela

Oriol Martí. Sant Pol de Mar, 2000
Óleo sobre tela

Una de las críticas de su primera exposición en la Sala Rovira en el año 1950.

MARTÍ VALLS, JOVEN PINTOR BIEN ORIENTADO

Oriol Martí Valls ha hecho acto de presencia con una jovencísima pintura, en Sala Rovira de Barcelona, como expositor novel.
El total de las obras que exhibe se eleva a veinticinco, siendo merecedoras de justas alabanzas las rotuladas " Pedralbes" -presidida por una calma-; "Una vista del Puerto"..... . a más del retrato "Mi sobrino Alejandro".
No se trata de incipiente ni impaciente como muchos de los que , creyendo llevar algo muy grande y definitivo en el cerebro y en el corazón, no vacilan en inferir al Arte los mayores agravios, sino de un pintor que, por lo que anticipa, está bien orientado. Por lo pronto renuncia a embarcarse en esa "nave" de los locos con proa al llamado "Arte nuevo". Demuestra que sabe donde se encuentra y hacia qué horizontes se dirige, pero sin prisa, ni menos, saltando por encima de su sombra.
Sus obras son anticipo de no pocas promesas fielmente a cumplir, sin desviarse del sendero que eligiera al establecer contacto con formas y volúmenes naturalmente iluminados. Cabe confiar, por tanto, que en tiempo relativamente breve logrará no poco de lo mucho que apetece. Porque Martí Valls, por lo que insinúa, es un pintor, si bien en formación todavía, incapaz de traicionarse a si mismo.

Juan Francisco Bosch

Radio España de Barcelona

Archivo: "El año artístico Barcelonés", 1950

Alquilar una galería de arte

2011-08-25T06:00:00.000-07:00

Recientemente estuvimos discutiendo con el propietario de una galería de arte y una pintora sobre el tema de si es correcto alquilar o no la galería de arte para exponer los cuadros ¿Debería el artista pagar un alquiler por exponer sus obras en una galería? ¿Es correcto que un galerista cobre un alquiler por ceder un espacio en su galería? Sin duda alguna este es un debate que desde hace algunos años parece que es un tema de discusión por parte de todos los implicados en el negocio del arte, sin embargo requiere matizarlo un poco. Desde el punto de vista legal el propietario de una galería de arte es libre de gestionar su negocio como más le convenga y realizar con el artista el tipo de contrato que ambas partes resuelvan en un acuerdo por escrito o de palabra. A saber:

1/ Un porcentaje por las obras vendidas (Normalmente suele ser de un 40% )

2/ Un alquiler del espacio por un tiempo determinado.

3/ O ambas cosas a la vez, es decir, un alquiler y un porcentaje pero más reducido.

Obviamente pueden existir todos los acuerdos que artista y la galería estén dispuestos a aceptar, como por ejemplo la cesión de alguna obra para el fondo de la galería en el caso de que no se realizara ninguna venta, etc. Después también está el tema de los gastos añadidos de la exposición: impresión de catálogos, posters, vernissage, envío de catálogos y mailing electrónico, inserción de anuncios en alguna revista especializada o diario, etc.

Lo que normalmente solía hacerse hasta hace pocos años era que la galería se hacía cargo del alquiler, es decir, cedía su espacio para realizar la exposición al artista durante un tiempo determinado a cambio de un porcentaje del 40% para la galería por la venta de los cuadros (La opción 1). El artista normalmente pagaba los catálogos y quizás parte del vernissage; la galería por su parte se encargaba de enviar los catálogos (ahora esto se suele hacer por correo electrónico), se encargaba de enviar y de difundir algún anuncio en la prensa, y por supuesto de vender la obra tanto a los clientes de la galería como a los clientes del artista. Si se vendían algunas de las obras, cosa que normalmente sucedía hace unos años, tanto el artista como la galería podían sostener su negocio y obtener aceptables beneficios.

Hoy en día, con la llegada de la crisis económica y la consecuente falta de recursos, las ventas de cuadros han descendido de manera drástica, y por tanto artistas y galerías han visto como su modus vivendi hacía aguas. Estos últimos, al no poder sostener los gastos que conlleva una galería se han visto obligados a cambiar los acuerdos, que normalmente se venían efectuando desde hacía muchos años, por la opción de alquilar su espacio a los artistas (es decir la opción 2) con el consecuente desacuerdo por parte de estos. Y es aquí donde se crea la polémica: ¿Cual de estas opciones es la que debería prevalecer?

Mi opinión personal, tanto por motivos de lógica conveniencia como por motivos éticos o de sentido común, es sin duda ponerme al lado del artista. Con todos mis respetos a los galeristas honrados (de los "espabilados" ya hablo en mi artículo "Arte, crisis y espabilados") es evidente que el artista no tiene la culpa de la actual crisis económica, con lo cual no sería justo cambiar unas condiciones que en su día enriquecieron a muchas galerías de arte. Algunos galeristas alegan: "¡Todos tenemos que arriesgar en estos momentos difíciles!"; por supuesto, pero el artista también arriesga con su trabajo, con su tiempo, con sus gastos de material, con el coste que supone el transporte de los cuadros, con la impresión de los catálogos, con el vernissage, y con lo más importante, su obra que es al fin y al cabo el "producto" que se ha de vender y que hace que los aficionados al arte entren en una galería. Creo que el riesgo del galerista es apostar acertadamente por aquel artista en el que cree, en el que confía y mediante el cual, si ha sabido gestionar su obra y encontrar a los compradores adecuados, podrá obtener buenos beneficios. En la actualidad el artista, como consecuencia de la presión de las galerías, ha cedido en la mayoría de los casos un 10% de sus beneficios pasando de un 40% a un 50% a favor de la galería ¿Que más debe sufragar el artista? A nivel ético, en mi opinión el trabajo del artista es crear y el trabajo del galerista es vender y entre ambos debe existir una confianza y una fidelidad. Para mi es una cuestión de sentido común, cada uno debe realizar el trabajo que sabe hacer.

En nuestra discusión con el galerista y la pintora yo argumenté que si se tratase por ejemplo de una tienda de decoración, de muebles o de cualquier otro objeto, sería impensable que al proveedor se le exigiese un alquiler por colocar su producto a la venta en dicha tienda. Lo normal en todos los casos, excepto en las galerías de arte, es que el producto se deje en depósito o incluso que se pague por adelantado al proveedor. Ya sé que el arte no es un "producto", es algo más que esto y no como tal lo hemos de vender, pero como en cualquier otro negocio existe un riesgo para el comerciante, es él quién debe tener suficiente sagacidad para llevar su negocio adelante. El proveedor, en este caso el artista, también asume un riesgo: no vender, perder su tiempo , su dinero y tener que dedicarse a otra cosa.

Un joven cantante: Hugo Nubiola

2011-08-17T05:24:00.000-07:00

Os muestro nuevamente un vídeoclip de música. En este caso se trata de un sobrino mío, un jovencísimo artista de 14 años, Hugo Nubiola, que interpreta una canción de Jack Johnson, "Banana Pancakes", y como podréis comprobar muy bien . El vídeoclip está hecho por un equipo profesional (montaje, imágenes, etc), pero las filmaciones en blanco y negro las hice yo con mi videocámara en las playas de Sant Pol de Mar. Mis primeros pinitos en el mundo del cine, je, je..

El chaval toca la guitarra, la armónica y canta con gran sentimiento y profesionalidad, e interpreta canciones de tendencia Folk & Rock de la época de los "carrozas" como yo, pero son canciones inmortales que no pasan de moda y que siempre suenan actuales. Creo que lo mismo ocurre en la pintura: las obras de calidad perduran en el tiempo y no envejecen.

Os paso este vídeoclip, pero en Youtube podéis escuchar además algunas piezas de Neil Young, Led Zeppelin, Pink Floyd, Bob Dylan,... ¡ Casi nada! ... interpretadas con gran acierto. Estoy seguro que si sigue trabajando con perseverancia como hasta ahora lo ha hecho, pronto podremos deleitarnos con composiciones de su propia cosecha.

Arte o artesanía

2011-08-10T09:44:00.000-07:00

Hemos llegado a un punto en la actual farsa montada en torno al arte contemporáneo en el que al artista se le ha subido a la cabeza el hecho de ser “artista”; el “artista” (obviamente no hablo de todos los artistas) ha llegado a creerse un ser especial tocado por la mano de Dios, un iluminado en la oscuridad del mundo que ha conseguido descubrir con su imaginación y su talento la llave de la espiritualidad. Sin ningún lugar a dudas han contribuido a ello de manera decisiva, esos “literatos del arte” y esos curadores/comisarios que con su verborrea repleta de palabras biensonantes y pretensiosas consiguen engañar tanto a los confundidos aficionados al arte como a algunos vanidosos “artistas”, que sienten inflado su ego con esta amalgama de palabras halagadoras y al mismo tiempo incomprensibles. (me extiendo más sobre este tema en "Galimatías literario del arte actual"). Para escribir sobre arte se ha de hacer con conocimiento profundo y con honestidad; no es lo mismo hablar de arte que crearlo con tus propias manos - como decía Lao Tse, un filósofo chino 600 años antes de Jesucristo- “¿Acaso alguien se convierte en jinete porque habla de caballos?”.

El artista era hasta hace pocos siglos un “currante”, un trabajador que hacía su oficio con las manos y por ello era excluido de la nobleza y de las altas jerarquías, ya que el hecho de trabajar con las manos era algo así como una acción peyorativa que iba en contra de las formas aristocráticas; eso sí, esta nobleza junto con la Iglesia se servía de estos “artesanos” para deleitarse con la belleza que creaban, para perpetuar su imagen y trascender de esta manera a su propia muerte.

Hoy en día la palabra arte o artista ha llegado a ser, a mi juicio, sinónimo de pedantería, de engreimiento y de manipulación; se ha perdido aquella esencia que tenía el verdadero artista, de trabajador, de artesano, de bohemio, de aventurero, de idealista, o quizás de visionario y en algunos casos de asceta incomprendido. En realidad, en la mayoría de los casos, el verdadero artista, ya sea en la pintura, en la música, en la literatura o en cualquier otro tipo de actividad artística, no es un ser privilegiado o superior, el verdadero artista no es más que un artesano, un trabajador con un oficio que ha tenido que aprender tras largos años de prácticas y que lo único que intenta es vivir de su arte para poder seguir creando, ya que esta es la forma de sentirse realizado y poder tener una existencia acorde con sus principios.

El artista, siempre hablo del verdadero artista, es en definitiva para mi un artesano que crea con su talento la belleza o en cualquier caso las emociones que conmueven nuestro interior; pero no vayamos a creer que el ARTE en mayúsculas se puede crear de la nada, como parece ser que sucede con el “arte contemporáneo” actual, sino precisamente es con está artesanía que se ha adquirido con los años con la que se puede crear el arte que nos emociona. Pero no confundamos la artesanía puramente decorativa con la artesanía creativa de piezas únicas (como las terracotas precolombinas). Posiblemente la artesanía pueda ir desligada del arte (entendido en su concepción creadora), sin embargo el arte no se puede desligar de la artesanía, es decir del oficio, con el cual debe complementarse.

¿Más de lo mismo?

2011-07-30T05:02:00.000-07:00

Una nueva propuesta en Madrid que me parece más de lo mismo pero a precios "asequibles":

Según la Comisaria, "Se trata de promover el coleccionismo, de superar la barrera psicológica que rodea a las galerías y que convierte el arte en algo inasequible, queremos que la gente pueda comprar obra, llevársela a casa, regalarla, coleccionarla, al fin y al cabo, es una manera de democratizar el mercado del arte..."

No he visto las obras, no sé si son de calidad o no, posiblemente sí que las haya, pero por lo que explica el artículo y la Comisaria de la exposición me parece un poco la dinámica de siempre: "acoger las propuestas más arriesgadas del arte y del diseño contemporáneo" ¿y los que no "arriesgan" y no hacemos excentricidades nos quedamos en la calle?, "dar cabida a todo el mundo" ¿sea buen artista o malo?, " apuestan por la creación joven" ¡Y los que somos más viejos! ¿ también nos quedamos en la calle? Ya hablo un poco de este tema de los jóvenes en el penúltimo párrafo de mi reciente artículo. Francamente no me dan ganas de participar.

Podéis leer el artículo y opinar.

"El arte de hacer asequible el arte"

Estética, arquitectura y medio ambiente

2011-07-20T11:01:00.000-07:00

Hoy voy a escaparme del tema específico del arte en la pintura para incidir en un tema que sin embargo tiene cierta relación con ella ya que se trata de la estética, mejor dicho de la falta de estética y buen gusto en la arquitectura que nos rodea. También de pasada me gustaría reiterar en esta falta de sensibilidad con el medio ambiente que en los últimos decenios estamos padeciendo.

Me voy a referir en concreto al lugar donde vivo y trabajo, Sant Pol de Mar, un encantador pueblo de la costa catalana a 45 km al norte de Barcelona. Si bien, esta población , aun conserva afortunadamente ese encanto de pueblo y parte de la belleza originaria (como podéis apreciar en las fotos de arriba) no se ha librado de interesadas especulaciones y graves impactos visuales. Este pequeño rincón de aproximadamente 5000 habitantes, es otro ejemplo claro de la falta de sensibilidad con la estética de su arquitectura y la especulación inmobiliaria que sufren y han sufrido también incontables pueblos de toda nuestra geografía.

Os muestro a continuación algunos ejemplos del impacto visual producido y que ha desvirtuado y "tocado" muy negativamente la imagen originaria de Sant Pol y su belleza panorámica.

Sin embargo esto ya no tiene remedio. Cosas como estás no deberian haber ocurrido nunca, son producto de criticables gobiernos pasados, de falta de sensibilidad, avaricia y especulación que deben servirnos ahora como recordatorio y aviso para que nunca más vuelvan a repetirse.

Me gustaría ahora y de manera constructiva hacer algunas sugerencias de cosas que se podrían hacer para mejorar la imagen de Sant Pol de Mar y por añadidura la imagen de muchas poblaciones.

1/ En primer lugar se podrían pintar y encalar las fachadas de los edificios por sus cuatro lados. El aspecto de estas fachadas con los "tochos" al descubierto dan una imagen de dejadez y suciedad que podrían remediarse fácilmente. Por supuesto se tendría que hacer una ley que obligase a las nuevas edificaciones a pintarlas y encalarlas por los cuatro costados. He simulado con Photoshop unas vistas tal como creo deberían estar. Veréis a continuación que una imagen vale más que mil palabras (podéis ampliar la imagen haciendo clic encima de la foto).

2/ Proteger las antiguas edificaciones y tener cuidado con el diseño y estructuras de las fachadas de las casas en las nuevas edificaciones. Debería formarse un comité de personas cualificadas, con una normativa específica referida a los elementos que conforman las fachadas (colores, estructura, tejados, balcones, barandillas, toldos, ventanas, etc), que regulase y supervisase los proyectos antes de su construcción siendo aprobados en el caso de que no contradigan las normas de la estética y el buen gusto. Aberraciones como estas que os muestro a continuación no deberían permitirse ¡Columnas doradas! El "Kitsch" en estado puro... ni que estuviésemos en la época de los faraones.

En el edificio que veis a continuación donde están estos balcones que parecen de plástico y de diseño aséptico se encontraba hace pocos años un hotel antiguo de gran belleza.

En muchas ocasiones no es cuestión de dinero y medios, sino simplemente de buen gusto y respeto con el entorno. Es obvio que se pueden hacer las cosas bien hoy en día y realizar de manera coherente y con la estética adecuada las edificaciones y reformas. Os muestro un ejemplo de un edificio en Sant Pol de Mar, el Club Nàutic, de la primera mitad del siglo XX reformado y ampliado con buen gusto y siguiendo las pautas iniciales del diseño original. Las tres últimas plantas son un añadido, pero eso si, hecho con sentido común.

3/ No permitir de ninguna manera edificaciones tipo "rascacielos" y mucho menos en zonas paisajísticas donde la belleza del entorno queda alterada de forma tan brutal. En esta imagen lo podéis comprobar ... puro sentido común.

4/ Eliminar en lo posible el entramado de antenas de televisión que hay en los edificios ¿No se podrían suprimir muchas de ellas poniendo antenas colectivas para varios edificios? Lo que está claro es que el sistema de televisión TDT (Televisión Digital Terrestre) no ha beneficiado en absoluto estéticamente el paisaje urbano.

5/ Respetar el medio ambiente en nuestros pueblos, pero también en su entorno paisajístico. Paseando por los bosques y los alrededores de Sant Pol uno se avergüenza y se entristece al ver el descuido y la suciedad y lo que podría ser un agradable paseo se convierte en un lamentable espectáculo para la vista: plásticos, escombros, botellas, electrodomésticos abandonados, etc., campan por los alrededores; pero lo que más me molesta no son estas bajezas realizadas por individuos aislados sin ningún tipo de escrúpulo o sensibilidad, sino que los campos de cultivos de fresas estén abandonados por sus dueños; todos sus utensilios también han quedado abandonados: plásticos desparramados incrustados por los caminos y en la tierra o colgados de los árboles, hierros utilizados para invernadero incrustados en el terreno, bidones de plástico, barracas ... todo un lamentable espectáculo para la vista y para el medio ambiente. Lo que no puedo entender es como no existen unas leyes que obliguen a los dueños de estos campos a recoger y limpiar todo lo que ellos mismos han abandonado. No soy yo, ni mucho menos un entendido en cultivos, pero quizás podría retomarse en estos campos el cultivo de la viña, mucho más limpio y que ya había tenido su auge en épocas pasadas.

No hace falta irse muy lejos, voy con frecuencia al sur de Francia, para darse cuenta que el respeto por el entorno está mucho más arraigado, quizás por unas leyes más severas, pero me inclino a pensar que una educación y una concienciación de la sociedad por el respeto al medio ambiente es mucho más efectiva que cualquier multa o sanción.

Creo, a pesar de tanto desagravio, que es un orgullo para los habitantes de Sant Pol de Mar poder decir que vivimos en uno de los pocos pueblos del Maresme cuya belleza aun persiste. Si queremos conservarla, enorgullecernos y que sea visitado por gente con sensibilidad debemos plantearnos algunas de estas propuestas que expongo, por supuesto aun quedan muchas más. No ha sido mi ánimo criticar por el mero hecho de criticar, sino concienciar a las personas y hacer una sugerencia al nuevo gobierno que ahora dirige nuestro pueblo para que tomen las medidas que estén en su mano para que la estética, el buen gusto, el sentido común y el respeto por nuestro patrimonio arquitectónico y el medio ambiente sean una prioridad. A buen seguro será en un futuro una buena inversión.

Entre lo hiperrealista y lo conceptual: expresionismo y fauvismo

2011-07-12T06:46:00.000-07:00

Incluyo este post tras leer uno de los bien argumentados y exce-lentes artículos de Avelina Lésper, Nuevos Grandes Maestros . Ella escribe con sagaz y sutil crítica, exponiendo con claridad el esnobismo, la estupidez y los graves ultrajes que el arte está sufriendo.

Con respecto a su presente artículo, Nue-vos Grandes Maestros, también estoy de acuerdo con ella en que hoy en día los "grandes maestros" son aquellos que los curadores ("caraduras" yo los llamo a muchos de ellos) utilizan como trampolín para su farsante marketing. Sin embargo me gustaría añadir alguna reflexión u opinión a su escrito obviamente bajo mi particular visión.

Efectivamente los artis-tas que nos muestra en su artículo (con imágenes incluidas) son artistas con oficio, buenos profesionales e imaginativos algunos, muy loables todos en sus objetivos esti-lísticos, pero noto a faltar entre ellos (quizás aquí difiero con Avelina) pintores menos figu-rativos, no tan simbolistas, ni tan realistas o diría más bien no tan narrativos. Echo a faltar en esta muestra artistas que utilicen el color y el trazo de forma más arbitraria (no digo descontrolada), en los que el color local y la forma puedan ser alterados en beneficio de la obra plástica, al estilo de los fauvistas franceses (Matisse, Derain, Gauguin) o de los expresionistas alemanes y rusos (Kirchner, Jawlensky) a los que yo tanto admiro, obras quizás no tan profundas en ideas o conceptos, pero si más luminosas, más alegres, más decorativas o podría decir también más triviales en su temática pero profundas en su forma.

Es una tónica común que estoy notando desde hace mucho tiempo que el éxito de los artistas actuales está repartido o entre los “conceptualistas /esnobistas /transgresores” que yo llamo y que Avelina tan bien critica en su blog, o, ahora también se llevan los triunfos, los hiperrealistas que “pintan muy bien”, con un gran perfeccionamiento técnico pero que , a mi juicio, carecen en general de absoluta imaginación, siendo su temática en muchos casos poco agradable o incluso desagradable y que normalmente no son en absoluto visualmente estéticos. Más arriba os muestro dos ejemplos: el primero, una escultura de Ron Mueck, contiene un gran oficio y sin duda en su tamaño monumental sorprende al espectador, el segundo, "obra" de Piero Manzoni no consigue más que ofender, pero ambos casos resultan francamente desagradables y son dos ejemplos muy claros que reflejan que el hiperrealismo y el conceptualismo están en lo más alto de los éxitos vanguardistas del arte actual.

Como consecuencia de todo esto la pintura que está a medio camino entre ambas tendencias, es decir la pintura que es figurativa (o incluso abstracta) pero que extrae de la naturaleza y de la realidad “un elemento nuevo” - como decía el gran Gauguin- ha quedado relegada al olvido y desplazada por la moda actual que estos “entendidos y curadores” manipulan a su antojo. No quiero con ello encasillar al arte en compartimentos limitados al hablar de tendencias ni impedir su experimentación; el arte es a mi juicio ilimitado ya que cada artista tiene su propia “caligrafía”, pero no se puede, con esta desfachatez y charlatanería tan en boga hoy en día, pretender inventar y descubrir la piedra filosofal con cada artista emergente que realiza la excentricidad más rompedora. El arte, la pintura concretamente, es un proceso lento en el que cada artista experimenta sobre los descubrimientos anteriores pudiéndo en algunos casos extraer su propia conclusión y su propia caligrafía y avanzar así hacia un nuevo descubrimiento, pero antes de lanzar al mercado este "nuevo descubrimiento" se debería estar bien seguro que merece la pena mostrarlo al público; sino es así más vale mostrar un trabajo bien hecho y personal aunque no rompa los moldes y los estereotipos que se exige actualmente.

Para terminar quisiera incidir sobre un término muy utilizado cuando se escribe sobre arte y sobre los artistas que me sorprende por su reiteración y por su errónea utilización. Siempre se habla de “jóvenes artistas”, “jóvenes pintores”, “jóvenes talentos”, “pintura joven”, "muestra de pintura joven", como si los que tenemos más edad quedásemos marginados de la posibilidad de innovar, de crear algo novedoso o de ser tan inventores como cualquier otro artista joven ¿Acaso la experiencia de los años de oficio no es un factor añadido para realizar una obra más sólida, creativa e innovadora? Quiero recordar que la mayoría de los pintores ilustres realizaron sus mejores obras en la edad madura (Velázquez, Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Matisse,...). Concluyendo, me permito expresar libremente y con tristeza que la pintura que está a medio camino entre el hiperrealismo y lo conceptual, podríamos decir el impresionismo, el fauvismo, el expresionismo o el cubismo junto con la veteranía que dan los años no están de moda dentro de los circuitos artísticos actuales que mueven los hilos del arte.

Os paso algunas muestras de GRANDES MAESTROS que obviamente sí tienen un merecido e importante lugar en la historia del arte, pero parece ser que su pintura, ya es agua pasada y no está de moda entre la elite vanguardista, ya no se pueden realizar nuevas interpretaciones de estas tendencias. Sinceramente, viendo y admirando estas pinturas no me siento pasado de moda, sin ninguna duda a la pintura de calidad no le importan las modas.

El autorretrato

2011-07-10T11:32:00.000-07:00

Desde los principios de la historia de la pintura los reyes, grandes hombres, políticos y figuras eclesiásticas se han hecho retratar por los artistas para, en muchos casos por vanidad, perdurar en la historia o simplemente como representación del estatus social del retratado.

Hemos de tener en cuenta que hasta mediados del siglo XIX la fotografía aun no existía y el retrato, aparte de ser un motivo artístico que conmemoraba hechos de la historia, debía tener un parecido que interpretase claramente la identidad psicológica y física del retratado.

Autorretrato (2011)

Como consecuencia lógica los artistas, en la mayoría de los casos, se representaron a ellos mismos también para perpetuar su imagen, pero principalmente y debido a su fácil disponibilidad, para poder analizar en la figura humana y en el rostro con mayor profundidad. El autorretrato es uno de los sistemas más útiles para aprender a dibujar y pintar la figura humana o el rostro. Muchos son los artistas que hicieron de su rostro numerosas representaciones a lo largo de su vida, como es el caso de Rembrandt o Van Gogh, este último debido en parte a su falta de recursos para encontrar modelos disponibles.

A partir del siglo XX, una vez ya consolidada la fotografía, el artista ya no intenta tanto representar el parecido físico sino más bien hacer una interpretación psicológica y fundamentalmente plástica, como ocurrió también con los otros temas pictóricos: el paisaje o el bodegón. Es el caso de Picasso y en general de los artistas de la primera mitad del siglo XX.

Yo mismo me he autorretratado en algunas ocasiones, todo ello con ayuda de un espejo, luz lateral y mucha concentración, ya que el retrato requiere una observación minuciosa de los rasgos y de sus proporciones. Como curiosidad me gustaría mostraos en orden cronológico algunos de ellos, en los que como veréis los cambios de estilo están bien patentes también en el autorretrato, la cual cosa sirve a su vez para ver la evolución técnica y estilística del artista.

Autorretrato (1991)

Autorretrato (1992)

Autorretrato (1993)

Autorretrato (1995)

Autorretrato (1996)

Autorretrato (1998)

Autorretrato (2002)

Autorretrato (2007)

Autorretrato (2008)

Autorretrato (2011)

Vincent Van Gogh: cartas a Théo

2011-06-25T04:57:00.000-07:00

Si alguna figura la podemos analizar como ejemplo tópico del artista apasionado, trágico y visionario, esta es sin duda la figura de Vincent Van Gogh.

Su existencia fue breve, 38 años, fugaz como el relámpago, al igual que toda su vasta obra que apenas fue realizada en tan solo diez años. De su trágica vida sobre la que ya se ha escrito mucho y diverso voy a intentar resumir los acontecimientos, a mi juicio, más relevantes de su vida.

Vincent Van Gogh nació el 30 de Marzo de 1853 siendo el mayor de seis hermanos. Cuatro años más tarde nacerá su hermano Théo (1857). Su padre, de profesión pastor evangelista lo pone a trabajar, por mediación de su tío, en la casa Goupil para iniciarse en el comercio de cuadros al que se incorpora su hermano Théo algo más tarde. Es trasladado a la sucursal de Londres donde experimentará la primera sensación de soledad y el primer amor frustrado. Su trabajo no resulta como era de desear, ya que esta profesión le anula produciéndole crisis de angustia y misticismo.

Decididamente, después de varios traslados, se da cuenta de que no es el camino que reclama su carácter, pero se siente atraído por la religión y trabaja como ayudante de maestro en varias escuelas anglicanas y seguidamente como ayudante del predicador, pero es despedido y vuelve a la casa paterna. A pesar de todo comunica a su familia la decisión de hacerse pastor, se instala en Borinage, una aldea minera de vida extremadamente dura y pobre haciendo de misionero evangelista, pero fracasa nuevamente.

Se lanza con renovado brío a la pintura por mediación de Jules Breton un pintor que conocía de su etapa en la casa Goupil. También su primo, el pintor Anton Mauve le alienta hacia la pintura por creer que tiene un talento innato. Sin embargo su carácter huraño provoca la ruptura con Mauve, y también es rechazado por su prima Kee, un nuevo amor frustrado, que se niega incluso a verlo. La relación con su padre también empeora, y en uno de sus vagabundeos conoce a una joven de vida incierta y bohemia con la que tiene una nueva relación que irá directa al fracaso.

Sin embargo, esta ruptura hace que se dedique apasionadamente y con frenesí a la pintura. Es en esta época que pinta sus salvajes paisajes de Drenthe, y también es en este periodo que su mente empieza a sufrir visiones terroríficas que lo van distanciando de la gente, de la familia, amigos e incluso de los lugareños del pueblo y de los campesinos a los cuales pinta con apasionamiento, hasta el punto que el cura de Nuenen prohibe a sus feligreses posar para el pintor. Sus problemas económicos siguen siendo desalentadores, pero afortunadamente su hermano Théo, haciendo grandes esfuerzos, seguirá aportándole ahora y en lo sucesivo, pequeños envíos de dinero para su precaria subsistencia.

Cansado de la naturaleza fría de Holanda decide trasladarse hacia el sur, Anvers y París, donde aprende la técnica de los impresionistas y entabla amistad con Lautrec, Emile Bernard, Pissarro y sobre todo con Gauguin. Después de su etapa parisina se traslada a Arles en 1888 con la intención de formar una escuela de pintores en el sur, buscando la luz, el contacto con el mediterráneo y ese sol ardiente que tan apasionadamente reflejará en sus telas. Es entonces cuando comienza esta periódica y fructífera correspondencia con su hermano Théo de la que surgirán las famosas cartas que se consideran una de las manifestaciones artístico literarias más importantes de la pintura moderna.

Embriagado por esta luz abrasadora y absorbente llama a su amigo Gauguin para que experimente junto a él la claridad del sur. La convivencia entra ambos artistas apenas dura tres meses, los achaques y las crisis de Vincent van en aumento. En una de estas discusiones con su amigo le arroja un vaso y sale huyendo de la casa; a su vuelta, con una navaja se corta la oreja, la envuelve cuidadosamente y se la da a un vecino. Sobre este suceso, existe la versión del propio Gauguin, (Escritos de un salvaje, Paul Gauguin) que la corrobora e incluso habla de una agresión posterior. Estos sucesos, como eran de prever, provocan la marcha de Paul Gauguin. Es recluido entonces en una casa de salud, donde entre crisis y alucinaciones pinta sus apasionados lienzos en los que las pinceladas parecen querer expresar los devaneos de su mente. A partir de 1889 y hasta su muerte su vida discurre dentro de las paredes de las casas de salud y entre la ansiedad y los estados de calma.

Parece, sin embargo que las noticias sobre su obra son alentadoras. Su hermano le escribe anunciándole la venta de un cuadro (el primero y único vendido en vida del artista) y el crítico del Mercure de France, Albert Aurier, elogia su pintura a la que por primera vez alguien le presta atención. Pero su estado de salud no mejora y pide a su hermano que lo lleve al norte, a Anvers, para iniciar una nueva cura pintando al mismo tiempo con un frenesí exasperado. Sin embargo, angustiado al ver que sus ataques continúan, el 27 de julio de 1890 se dispara un tiro en el corazón en uno de los campos de trigo de Auvers sur Oise donde tanto ha pintado en numerosas ocasiones. Falla el disparo y trasladado a su casa sufre una agonía de dos días velado en los últimos instantes por su inseparable hermano Théo, que afectado duramente por todos los acontecimientos, sufre un ataque de parálisis y muere seis meses más tarde , en Enero de 1891.

Esta es en rasgos generales la azarosa vida de este artista "maldito" y la relación íntima que lo unía con su hermano. Creo sin embargo que el mito de Van Gogh se ha tergiversado dándole un calificativo de "lunático" o "loco" que nos aparta del verdadero hombre, ilustrado, filósofo e intelectual que a mi juicio fue, diría casi un humanista, lector apasionado que nos da a menudo su visión lúcida y crítica de las muchas lecturas que realizó. También tengo mis dudas con respecto al carácter huraño que le atribuyen la mayoría de los biógrafos. Leyendo estas cartas no se percibe apenas este estado hostil o ajeno a la humanidad, sino más bien todo lo contrario: una sensibilidad apasionada con la naturaleza que le rodea, un sentimiento de humanidad hacia los seres de su entorno, tanto campesinos como artistas o intelectuales. En pocas ocasiones tiene palabras de desprecio hacia sus semejantes, sino que más bien se desvive en elogios hacia los grandes hombres e incluso hacía las clases de estratos inferiores. En ningún momento, salvo en excepcionales casos aislados producidos por la enfermedad mental que padecía, creo que muy valientemente, tuvo un comportamiento violento. Crítico, analista y observador preciso de artistas que le precedieron y también de sus contemporáneos, cuando uno lee sus cartas se da cuenta del caudal de inteligencia y cordura que tenía cuando no era presa de sus esporádicos ataques de locura.

Me gustaría ofreceros algunos fragmentos que me han parecido muy interesantes de esta correspondencia, que a mi juicio tienen un doble valor: por una parte nos acercan al verdadero genio apasionado y por otra nos dan, a los artistas sobre todo, una magistral lección de pintura en la que nos muestra sus pensamientos y sus teorías sobre el color, el trazo y la influencia que estos tienen sobre la obra artística. Para mi, sin duda, uno de los padres de la pintura moderna junto a Cezànne y su amigo Gauguin.

Os recomiendo encarecidamente su lectura. Los que no seáis pintores conoceréis al gran hombre y artista comprometido con sus ideales, para los artistas su lectura será un interesante y enriquecedor aprendizaje. Os paso a continuación unas cuantas citas extraídas de estas cartas que a buen seguro os van a cautivar para leer esta magnífica obra.

Vincent Van Gogh. Cartas a Théo

ALGUNOS FRAGMENTOS:

"Hay leyes de proporciones, de luz y sombra y de perspectiva que se deben conocer para poder dibujar; si no se posee este conocimiento, resulta siempre "una lucha estéril" y no se logra jamás "parir".

"Con respecto al dibujo, yo creo que: apretar demasiado vale más que aflojar"

"Trabajar sin modelos es la peste para un pintor de figura, sobre todo al principio"

"El arte es un combate; en el arte es necesario jugarse la piel" ... Preferiría no decir nada antes que expresarme débilmente".

" Respecto a la pintura hay dos maneras de razonar: con mucho dibujo y poco color o con mucho color y poco dibujo"

"Para llegar a la verdad se necesita trabajar largo tiempo y mucho"

"El arte exige un trabajo obstinado, un trabajo a pesar de todo y una observación siempre alerta y continua"

"Hay algo en el arte moderno que nos llega de una manera personalmente íntima... Fue pues un error cuando hace algunos años los modernos se empeñaron en imitar a los antiguos"

"La pintura recompensa mejor los sacrificios que el dibujo, pero es imprescindible que antes de comenzar se sepa dibujar con una relativa seguridad la proporción exacta y el lugar de los objetos. Si uno se equivoca, todo está perdido..."

"El sentimiento es una gran cosa sin la cual no se podría ejecutar nada"

"Creo que se piensa más sanamente cuando las ideas surgen del contacto directo de las cosas que cuando se miran las cosas con el fin de encontrar tal o cual idea."

"Para mi los grandes coloristas son aquellos que no hacen el tono local"

" La cuestión de los colores complementarios, del contraste simultáneo y de la destrucción recíproca de los complementarios, es la primera y la más importante"

"Quisiera que mi conocimiento del desnudo y de la estructura de la figura fuera tal que ya pudiera trabajar de memoria"

"Yo busco ahora exagerar lo esencial, dejar en lo vago expresamente lo trivial..."

"Desde luego que para el arte, donde se tiene necesidad de tiempo, no estaría mal vivir más de una vida"

"Voy a coger la costumbre de trabajar de memoria, las telas de memoria son siempre más desmañadas y tienen un aire más artístico que los estudios del natural"

El circo del arte

2011-06-11T05:49:00.000-07:00

Una vez más el arte "contemporáneo y vanguardista" nos muestra su cara circense : un caballo llamado Napoleón que pinta lienzos, previamente preparados por su amo, y que los vende hasta 6000 €.

Ya he comentado muchas veces que el arte es libertad, es creación e imaginación, pero no todo vale. Para ser y hacerse artista se necesita una buena dosis de oficio y muchas horas y años de aprendizaje, lo cual consigue que aquel que ya tiene aptitudes innatas y un amor apasionado lo sea. También he dicho en alguna ocasión que es precisamente la especie humana la única que tiene el privilegio de la creación artística, ya que es el único capaz de razonar, condición sine qua non para que combinada con la pasión interna se pueda crear una obra de arte.

Ahora, en estos tiempos en el que al arte se le permite cualquier ultraje, todo es posible, y se confunde la creación y la originalidad con la excentricidad y el devertimento : se trata simplemente de llamar la atención a cualquier precio, haciendo cualquier cosa que nunca se haya hecho, sin importar la estética, la belleza, la creatividad y el buen gusto. Todo vale, lo único que importa es transgredir y "sorprender" al desconcertado espectador.

Tenemos actualmente una buena muestra de todo ello en esta exposición que se realiza en Barcelona. Eso si, ha conseguido su objetivo: que se hable de ello.

No voy a decir más, Mario Vargas Llosa escribe en el diario El País un excelente artículo poniendo sobre la mesa con ironía hasta donde ha llegado el arte y la estupidez humana. No dejéis de leerlo que no tiene desperdicio.

El País. "Napoleón, artista". Mario Vargas Llosa

Expongo en Barcelona

2011-05-30T12:31:00.000-07:00

Os quería comunicar mi nueva exposición en Barcelona. Se trata de una galería muy pequeña (una curiosidad: quizás no hayáis visto nunca una galería tan pequeña) pero muy sobria y elegante, situada en el barrio donde se encuentran el mayor número de galerías de renombre de toda Barcelona. Como decía antes la galería es muy pequeña, pero aquí en Catalunya tenemos un dicho: "en el pot petit es troba la bona confitura" (en el tarro pequeño se encuentra la buena confitura) y ciertamente la pintura que se expone aquí es "buena confitura".

A pesar de la limitación de espacio, presento aproximadamente más de una quincena de obras entre acrílicos y gouaches de tamaños diversos. Algunos de mis últimos trabajos en los que la mujer es protagonista: rostros y figuras de mujeres en reposo, pensativas, melancólicas, desafiantes, risueñas, mujeres de las que trato de plasmar, a través del color y la forma, más que su semblanza física su carácter interior.

Como siempre no escondo mis tendencias; ciertamente los fauvistas franceses y los expresionistas alemanes me fascinan; de alguna manera intento continuar y adaptar a nuestro tiempo el camino que quedó interrumpido por el cubismo, la abstracción y los conceptualismos de la segunda mitad del siglo XX.”

Espero que los que os encontráis próximos o en la misma ciudad de Barcelona podáis disfrutar de mis cuadros como yo he disfrutado pintándolos.

GALERÍA ART WINDOW

Del 26 de Mayo al 16 de Junio de 2011
Calle Balmes, 52
BARCELONA
Tel. 93 215 63 10
Horario de Lunes a Viernes de 10 a 14h y de 16.30 a 20.30h

El Sábado día 4 de Junio estaré yo presente en la galería con el mismo horario

Arte y pintura en las escuelas

2011-05-29T10:56:00.000-07:00

Recientemente tuve una nueva experiencia relacionada con los niños y el arte en la escuela pública de educación infantil y primaria de Sant Andreu de Llavaneres, un pueblo situado entre el mar y la montaña a unos 35 km al norte de Barcelona.

En esta escuela decidieron hacer unas jornadas culturales dedicadas a la pintura y fue entonces cuando una prima mía, Fina, que trabaja como profesora en esta escuela, decidió elegirme a mi para ese día especial de clase, como artista pintor que pudiese de alguna manera motivar a los niños (de 9 y 10 años) y acercarlos con más entusiasmo al mundo de la pintura y el arte. Posiblemente los colores vibrantes de mis cuadros llegarían a los niños con fuerza y podrían introducirlos en el conocimiento del fauvismo y del expresionismo.

Los días previos a mi "clase", y por recomendación de mi prima, cada niño eligió una de mis pinturas que más les gustaba para copiarla. También previamente habían preparado una "entrevista" donde cada uno de ellos podía preguntarme lo que quisiera. Respondí como mejor supe a sus preguntas sobre mis tendencias fauvistas y expresionistas intentando ser tan sencillo y claro como ellos eran, preguntas a veces difíciles de responder para nosotros los adultos: ¿Cuanto valen tus cuadros? o ¿te puedo comprar uno? que provocaron más de una sonrisa tanto a mi prima como a mi.

Después les dibujé con rotulador en unas cartulinas uno de mis rostros femeninos en cuatro trozos a modo de puzzle que posteriormente ellos volvieron a copiar para colorear a su manera.

Puedo contar con satisfacción que fue para mi una experiencia desconocida pero altamente enriquecedora ¡Que gran despliegue de entusiasmo, imaginación y generosidad! Hasta querían regalarme sus dibujos ¡No, conservarlos para vosotros como recuerdo de este magnífico día! Y es que estos dibujos, más que copias, eran interpretaciones muy subjetivas donde cada uno ponía de manifiesto aquello que más le atraía de mis cuadros dándole una nueva visión tan personal, que en un principio y aturdido por la cálida acogida que me hicieron, no pude reconocer como copias de mis cuadros.

Creo que es muy importante que en esta edad temprana a los niños se les inculque el amor y el gusto por el arte, que se les enseñe que la creación artística es algo muy importante para la satisfacción personal e incluso espiritual y que esta creación artística es una cualidad particular que solo posee la especie humana. Es en esta edad cuando asimilan rápidamente las enseñanzas y quedan fijados para siempre estos valores más profundos que serán muy provechosos para su futuro. Me viene al dedillo aquella frase de San Agustín que dice: "El Don más grande que podemos hacer a otros no es compartir con ellos nuestra riqueza, sino hacerles descubrir la suya propia". Ciertamente es necesario potenciar estos dotes para que estos pequeños creadores descubran esta cualidad innata que ya poseen y enseñarles que no solo son importantes las cosas materiales y las asignaturas "productivas" que sirven para ser "hombres y mujeres de provecho", sino que en el disfrute y en el conocimiento de las cosas que no "sirven para nada" también pueden encontrar en muchos casos una vida más rica.

Comprobar por vosotros mismos con estás imágenes que os muestro, el gran despliegue de fantasía, libertad y creatividad de estos pequeños artistas. Primeramente podéis ver la obra original pintada por mi y a continuación las versiones libres de los niños. Sin duda un día entrañable y muy productivo también para mi.

Sant Pol de Mar, 50x42 cm (obra original pintada por mi)

Círculos concéntricos, 39x53 cm (obra original pintada por mi)

Chica en el sofá de rayas , 70x70 cm (obra original pintada por mi)

Panorámica de Barcelona , 142x80 cm (obra original pintada por mi)

Paisaje de Olot , 39x53 cm (obra original pintada por mi)

Sant Pol de Mar, 40x50 cm (obra original pintada por mi)

Mi dibujo pintado por los alumnos de P4

Y para terminar con algún ejemplo más realizado por niños, os muestro un cuadro que realizó hace ya algunos años mi hija Andrea a la edad de 9 años, en el puerto de Arenys de Mar directamente del natural . Yo también pinté mi versión, algo más impresionista por aquel entonces y mucho menos "Fauve" que la de mi hija... y es que ciertamente " hay que pintar como un niño pero con la sabiduría de un hombre"

Música y pintura

2011-05-10T11:09:00.000-07:00

En mi anterior post expuse algunas obras sobre la incidencia e inspiración que tiene o ha tenido el deporte en el entorno artístico, en concreto en la vertiente de la pintura. En esta ocasión quisiera exponer y mostrar la relación existente entre la música y la pintura.

En este caso mi motivación y pasión por la música es muy superior a la que ejerce sobre mi el deporte. No toco ningún instrumento musical (salvo "rasgar" un poco la guitarra), pero sí que siento una gran atracción por la música, la cual me transporta a estados anímicos bien diferenciados según su estilo o su ritmo. Casi siempre trabajo con música de fondo y es evidente que ésta tiene una poderosa influencia sobre la obra y sobre el resultado final; si la música puede alterar y modificar el estado de ánimo es lógico y consecuente que, siendo la pintura una exteriorización visual del alma y de los sentimientos, la obra resultante sea partícipe de esta influencia y por lo tanto sea también diferente su resultado en cuanto a su forma y fondo.

Muchas teorías se han escrito sobre la influencia que ejerce la música sobre la pintura y la relación que existe entre ellas. Algunos artistas visuales han complementado su creación artística con el disfrute de algún instrumento musical: Leonardo Da Vinci tocaba la lira, Goethe fue poeta, novelista, pintor y músico, Henri Matisse, Paul Klee y kandinsky tocaban el violín y Woody Allen (cineasta pero también artista visual) el clarinete.

Matisse

Pero aparte de la influencia que puede ejercer la música sobre el artista en el momento en que realiza la obra, existe una relación paralela entre ambas artes; la diferencia estriba en que una entra a través de sentido de la vista y la otra a través del sentido auditivo, pero ambas llegan a nuestro interior creando emociones similares: tristeza, alegría, pasión, miedo, ira, nostalgia, etc. Además existe una relación paralela entre los colores y las notas musicales. Kandinsky escribió mucho sobre esta similitud y relación. Unas breves frases de sus escritos nos darán una idea más clara de esta intensa simbiosis entre ambas artes:

"De la misma manera que se combinan los sonidos y los ritmos musicales, las formas y los colores deben combinarse según la interpretación de sus relaciones"

" No creáis que el arte abstracto es una clase de música reproducida en colores; cada arte posee sus medios específicos y la traducción precisa de un arte a otro es afortunadamente imposible."

"El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana".

"Un cuadro debe estar compuesto como una sinfonía, y debe percibirse como una sinfonía de los sentidos y de los colores"

Kandinsky

Paul Klee opinaba que la música y la pintura vivían épocas distintas y, por tanto, eran artes desfasadas. Teniendo en cuenta que la música había resuelto el problema de la abstracción en el siglo XVIII, la pintura tendría que superar estas barreras.

Paul Klee

Dicho esto y partiendo de la base de que la música es abstracta, ya que no hay elementos formales tangibles que la identifiquen con objetos ni con pensamientos reales, nos damos cuenta que su armonía y su belleza nos llegan prescindiendo de la realidad que conocemos. Cuando sus notas musicales y sus silencios están en su justa proporción y armonía, esta combinación de sonidos nos deleita y nos llega a nuestra alma profundamente. Trasponiéndolo a la pintura, se podría decir que las notas son los colores y que estos colores colocados de diferentes maneras y formas uno junto al otro, producen vibraciones, en este caso visuales, diferentes, bellas y armónicas siempre y cuando estén colocados en su justa proporción. En cualquier caso, sea la pintura figurativa o abstracta esta armonía de colores y formas debe existir igualmente para que la obra llegue al espectador deleitando sus sentidos y como consecuencia su alma.

Obviamente no es necesario que la temática sea musical para que el cuadro sea como una sinfonía musical. Como hemos hablado más arriba en la abstracción no hay un tema reconocible y sin embargo puede ser una obra muy musical, llena de belleza y de fuerza expresiva; a mi juicio una obra figurativa (en este punto difiero de Kandinsky) puede ser tan absoluta como una obra abstracta. Podéis comprobarlo mirando este paisaje del propio Kandinsky lleno de músicalidad y de ricas armonías.

Kandinsky

También en 1907 el pintor alemán August Macke, de tendencia expresionista, que sin embargo fue toda su vida pintor figurativo nos explica su punto de vista entre la música y la pintura, refiriéndose a un cuadro abstracto que realizó de forma experimental:“ Toda mi felicidad la busco ahora sólo en los colores puros (...) He intentado componer colores sobre una tabla, sin pensar en objetos como hombres o árboles, parecido a como se hace el bordado. Lo que hace de la música algo tan enigmáticamente bello, tiene también un efecto mágico sobre la pintura. Pero sólo una fuerza sobrehumana es capaz de colocar los colores en un pentagrama como ocurre con las notas. (...) Una sensibilidad infinitamente sutil, puede ordenarlos, sin tener idea de ellos.”

August Macke, Formas y colores

Podéis ver aquí una de mis obras en las que intenté, al igual que Macke, desligarme de los elementos figurativos buscando únicamente el ritmo y la composición de las formas y los colores.

Pintura de G. Martí Ceballos, Círculos rítmicos (2010)

39x53 cm

Aquí podéis ver tres de mis obras musicales. Dos cuadros homenaje a los Beatles y un contrabajista en plena actuación. Si queréis ver más pinchar aquí.

Pintura de G. Martí Ceballos, The Beatles painting (2001)

73x60 cm

Pintura de G. Martí Ceballos, The Beatles (2001)

130x81 cm

Pintura de G. Martí Ceballos, Contrabajista (2010)

125x81 cm

Arte y deporte

2011-05-04T02:47:00.000-07:00

Aunque no soy en absoluto aficionado al deporte, y especialmente creo que el fútbol con sus endiosados futbolistas han llegado a ser un objeto de culto supervalorado (aquí hablo más extensamente de este tema), creo que al igual que la música y la pintura, el deporte puede ser para la pintura una gran fuente de inspiración artística, ya que su colorido y su movimiento son atributos que encajan perfectamente con la finalidad que persiguen muchos artistas.

Desde la antigüedad en la Grecia clásica el deporte con sus olimpiadas fueron una fuente de inspiración para los artistas. Pero en especial, a partir del impresionismo y entrado el siglo XX fue cuando el deporte adquirió más relevancia en la vida cotidiana y consecuentemente en el mundo del arte.

Os muestro aquí algunas imágenes que testimonian que la variedad de estilos no impide que se puedan representar escenas deportivas con gran belleza y ricamente expresivas.

Thomas Eakins, 1899

Degas

Joseph Christian Leyendecker

Norman Rockwell

Picasso

Robert Delaunay

Podéis ver a continuación dos de mis obras sobre temática deportiva que realicé en el año 1999 y 2001 respectivamente.

Guillermo Martí Ceballos

" ¡Corre caballo!", 1999

92x73 cm

Y ahora mejor que nunca, que el Barça está en su apogeo, os muestro este cuadro que realicé en 2001 de una escena de un jugador del Fútbol Club Barcelona . El cuadro está realizado en gran formato, con colores vivos y formas estructuradas muy simples que le dan ritmo y movimiento. Quizás tiene similitudes con algunos cuadros del pintor francés Delaunay al que yo admiro desde hace mucho tiempo.

Arte, deporte, fúbol y barça todo en uno.

Guillermo Martí Ceballos

" Nº 14" (Jugador del Barça)

130x81 cm

Collioure y el fauvismo

2011-04-24T11:52:00.000-07:00

Hace ya algunos años , si no recuerdo mal en 2003, visité por primera vez Collioure, una pequeña y encantadora población situada en la costa sur de Francia, a media hora de coche de la frontera española. Desde entonces no he dejado de frecuentar este pequeño pueblo del Rosellón, tanto por sus pictóricos parajes bañados por el Mediterráneo como también por motivos profesionales, ya que desde entonces he ido vendiendo, de forma más o menos regular, algunas de mis obras en una galería de arte ubicada en esta villa de la Cataluña francesa.

Collioure, “le petit port catalan” como ellos mismos lo definen, es un pueblo portuario originariamente de pescadores pero es hoy en día un emplazamiento muy turístico, conocido especialmente por ser el lugar donde se fraguó y consolidó uno de los movimientos más importantes de las primeras vanguardias pictóricas del siglo XX: el fauvismo. Por este motivo sus pequeñas y empinadas calles se encuentran repletas de pequeños “ateliers” donde muchos artistas trabajan y venden sus obras a los numerosos turistas que visitan sus talleres. Diría que el Collioure de Matisse es en Francia lo mismo que el Cadaqués catalán de Dalí, un pintoresco lugar, actualmente un icono, en donde gracias a estos grandes maestros universales del arte, se ha forjado un punto de atracción por parte de los artistas y de los aficionados a la pintura.

Es en Collioure donde Matisse, en compañia de Derain inicia la aventura y el paso del neoimpresionismo puntillista al estilo vibrante y nuevo que será un escándalo en el próximo Salon de Otoño en París. Matisse llega a Collioure por primera vez en la primavera de 1905, y desde entonces y durante una decena de años volverá fielmente a Collioure, siendo esta una de las etapas más intensas de su obra que le llevará finalmente a la exaltación total de su arte. Derain por su parte, más joven con tan solo 25 años y fiel entusista de su maestro, pintará en su compañía a ”plein air” trabando una fuerte amistad y realizando la parte más audaz, fecunda y genial de su obra. Escribe a su amigo Vlaminck, uno de los representantes más ardientes del grupo de los fauves, sobre la experiencia de Collioure:“ ... hay una luz dorada, que suprime las sombras. Es un trabajo enloquecedor, todo lo que se había hecho hasta ahora me parce estúpido”.

Retrato de Derain realizado por Matisse

Retrato de Matisse realizado por Derain

Las obras que Henri Matisse y André Derain realizaron en Collioure en el curso del verano de 1905 testimonian el nacimiento del fauvismo y, como consecuencia, el arte del siglo XX. El fauvismo es un movimiento espontáneo de un grupo de artistas que aspiran a plasmar sus emociones a través de colores vibrantes. Podríamos definirlo como la exaltación del color, la ausencia de sombreado, el color puro y la yuxtaposición de tonos complementarios junto a una factura enérgica y de apariencia espontánea. Matisse mismo relataba más tarde “... yo no deseaba más que hacer cantar mis colores, sin tener en cuenta las reglas y las prohibiciones.”

André Derain

Puerto de pescadores , Collioure, 1905

Henri Matisse

Los tejados de Collioure ,1905

El episidio de los “fauves” (”Las fieras”), como los definió Louis Vauxcelles, crítico vanguardista de la época, tuvo en Matisse una duración breve de apenas poco más de un año y algo más largo en Derain, pero su trascendencia en la evolución de la pintura fue esencial para entender su proceso. Como diría el propio Derain "la prueba de fuego" que ha purificado la pintura y liberado el color. A mi entender aun tiene mucho que decir y su breve duración (como movimiento colectivo) se debió en parte a la aparición del cubismo, de la mano de Picasso y Braque pero también experimentado por el propio Matisse, del arte abstracto y de las nuevas vanguardias aparecidas en el primer cuarto de este convulso y apasionante siglo XX.

Aquí os muestro en orden cronológico algunas de las obras que he realizado de Collioure durante estos años. Como podréis observar mi predilección por el fauvismo es patente en algunos cuadros. Disculpad la baja calidad de algunas fotos, pero son las únicas imágenes que dispongo para testimoniar mis obras de Collioure.

Música en directo

2011-04-12T09:38:00.000-07:00

En esta ocasión la cosa no va de pintura, va de música, el arte que entra por el oído, pero en este caso también por la vista. Verlo es ya una gozada. Como en mi anterior post, en esta ocasión, también es un arte que viene de una persona muy joven: se llama Hugo, solo tiene 13 años, pero ¡hay que oírlo y verlo!... parece que haya salido de la máquina del tiempo... versiona, guitarra en mano, armónica y voz a Bob Dylan, Neil Young, Elvis, Paul Simon y hasta Jimmi Hendrix... hará las delicias de los "carrozas" y no tan "carrozas" y ademas es sobrino mio...

Y no es amor de tío, es que lo hace DPM y si no os lo creéis aquí tenéis una muestra para comprobarlo:

HUGO NUBIOLA

en concierto:

Miércoles día 13 de 20.30 a 22.00 h

"ZANZÍBAR"

Maestro Nicolau, 4

BARCELONA

Tel. 932098992

Niños y arte

2011-04-10T10:11:00.000-07:00

Recientemente vendí una de mis pinturas a una señora de Valladolid que me compró uno de mis retratos femeninos titulado "Rostro caribeño". Enseguida que lo recibió me escribió felicitándome y halagándome ya que consideraba que la obra al natural le había gustado mucho más que cuando la vio a través de fotografía. También me comunicó que su nieto de 8 años le había pedido el retrato para copiarlo y que había realizado una "versión libre" de mi obra. "El chico promete - continuaba-, y no creo que sea pasión de abuela. Es la primera vez que el niño me pide un cuadro para hacer una copia..."

Efectivamente, al poco recibí la fotografía de la "versión libre" de este muchachito de 8 años que me dejó sorprendido por su concisión e interpretación tan sencilla pero al mismo tiempo llena de expresividad. Verdaderamente no era "amor de abuela" el chico tenía "madera" de artista. ¡Que simplificación tan sobria de mi pintura! La resurrección de Matisse- pensé yo- y es que ciertamente, los niños dicen la verdad y sus manifestaciones son muy expresivas y directas. Matisse, gran maestro al que yo admiro, ya imitaba a los niños y yo siempre he pensado que un artista debe transformarse en un niño pero con la sabiduría de un hombre. Lástima que al pasar los años la mayoría de los niños pierden su espontaneidad y su valentía; con el paso de los años la enseñanzas excesivamente metódicas y las rígidas reglas impuestas por la sociedad cortan las alas de la creatividad. No cabe duda que se debería inculcar y potenciar en los niños valores y metas menos materialistas y algo más espirituales, en las que el arte tendría que tener un papel mucho más importante y de esta manera la vida podría transcurrir mucho más felizmente. Esperemos que este niño de 8 años, llamado Chema y que tan dotado está para la creación, pueda seguir manifestándose con la libertad que se merece.

Hace poco también recibí desde México una petición de una maestra de una escuela de dibujo para niños en la que me pedía permiso para que estos niños copiasen mis cuadros... ¡ Un detalle de su parte y todo un orgullo para mi!

Pero como siempre, una imagen vale más que mil palabras. Veamos la interpretación que este "joven artista" realizó de "Rostro caribeño:

Versión realizada por Chema, un niño de 8 años, de mi obra "Rostro caribeño"

"Rostro caribeño". Versión original

Pintura y música: poemas sin palabras

2011-03-29T12:17:00.000-07:00

Horacio dijo en una ocasión: "Una pintura es un poema sin palabras", pero parece ser que esta máxima de este gran poeta y filósofo italiano ha quedado en desuso. En la actualidad es más importante la palabra que la obra, el proceso que el resultado y se adorna y justifica con vervorrea aquello que debe ser observado únicamente con el sentido de la vista, como si la sola obra artística no fuese suficiente para ser "comprendida" por nuestras emociones. Las emociones no entienden de razonamientos, por eso mismo son emociones, porque brotan de lo más profundo de nuestro corazón sin mediar reflexión alguna.

"Jo pinto i prou" (Yo pinto y basta). Frase del pintor catalán Isidre Nonell

En el arte de la música, que nos llega a emocionar a través del sentido del oído ¿A quién se le ocurriría intentar explicar y justificar la belleza de una obra musical? Estoy seguro que a Wolfgang Amadeus Mozart no intentó nunca hacer comprender sus sinfonías a través de las palabras, ni a los Beatles pretetender que su romántica "Yesterday" llegase al público a través de una explicación racional. El espectador, simplemente, recibe los estímulos de una obra de arte, de la cual tiene como es lógico la libertad de mostrar su agrado o desagrado, de disfrutar de ella o de quedarse indiferente, pero nunca el verdadero artista que ha creado esta obra, intentará complementar ni añadir a su mensaje justificaciones para que dicha obra sea mejor comprendida ni valorada. En las artes plásticas la estética y el oficio deben prevalecer sobre la idea y el concepto, la "literatura y la poesía" deberían ser para los novelistas y los poetas.”

En mi escrito “Galimatías literario del arte actual” podrás encontrar con más profundidad mis reflexiones sobre éste tema.

Como debería ser una feria de arte

2011-03-23T04:06:00.000-07:00

Cuando uno ya ha recorrido un trecho del camino, en este caso la aventura del camino artístico, va tomando una objetiva y transparente visión de las cosas. El caso que quiero hoy hacer referencia es el de las ferias de arte.

Puedo constatar que habiendo participado en varias de estas ferias (de pintura especialmente) siempre he quedado muy decepcionado. A mi entender varias son las razones: principalmente el bajo nivel de calidad de los participantes, muchos de ellos aficionados, la cual cosa implica que dichos eventos no tengan la categoría que debieran. Sin duda, y esto ya lo comento en una de mis reflexiones de este blog, el afán de recaudar fondos es la razón principal por la que se admite a todos los participantes por el simple hecho de abonar la cantidad de dinero que se les pide, por cierto una cantidad bastante considerable por las prestaciones que te conceden. Con esto los promotores consiguen hacer un negocio redondo en perjuicio de la feria y de los artistas profesionales que participan. Es evidente que esta manera de organizar estos eventos artísticos no es la más adecuada y que debería tomar otro camino.

Lo ideal, a mi juicio, sería realizar una feria de calidad más profesional, y para ello creo imprescindible hacer una selección de los artistas participantes por medio de un jurado cualificado y entendido en la materia, un jurado que sea al mismo tiempo "abierto" tanto a las últimas tendencias (no hablo de las extravagancias) como a propuestas menos vanguardistas en las que el buen gusto, la creatividad, el oficio y la calidad estética estén presentes. Con ello se conseguiría realizar un evento de calidad en la que el público aficionado quedaría satisfecho, convirtiendo con el tiempo a dicha feria en un evento de elevada categoría y de prestigio bien consolidado. Tenemos ya muchos casos de ferias de dudosa y controvertida calidad (ARCO, FAIM, MAG, ....) y sería muy satisfactorio una feria en la que ante todo la calidad artística y creativa sea la principal razón de ser.

No sé si esto que propongo es una utopía o no, pero lo cierto es que hacer las cosas con la materialista finalidad del ánimo de lucro puede suponer un negocio quizás a corto plazo, pero a la larga todo aquello que se hace con buen criterio, con conocimiento, y en definitiva, con la intención de hacer las cosas bien hechas para satisfacerse interiormente a uno mismo, nos llevará por empatía a satisfacer también a los demás y sin duda estas son las claves a seguir para que una feria de arte, o cualquier proyecto en la vida, se convierta en algo noble, perdurable y prestigioso.

El snobismo en el arte actual

2011-03-15T10:15:00.000-07:00

No sé si este vídeo estará manipulado o no. Quizás pueda ser una más de las mentiras a las que nos tiene acostumbrados tele 5 . Es posible que pueda ser ser un montaje , ya que en la primera parte de la filmación se ven claramente los espacios expositivos de la feria Arco, pero en el siguiente cambio de plano , cuando ya están colgando el cuadro y una vez colgado, se ve únicamente un espacio cerrado que podría ser cualquier lugar y en consecuencia estar rodado en un estudio.

Lo cierto, sea un montaje o no, es que la idea es tentadora para cualquier productora dispuesta a desenmascarar tanta falsedad y tanto esnobismo del arte actual: un grupo de niños de 3 y 4 años pintan un cuadro que después es introducido y colgado de manera oculta en una de las paredes de la prestigiosa Feria de Arco de Madrid.

Ciertamente, no parecen actores los visitantes de la feria, ni tampoco preparados los comentarios sobre la falsa obra de arte que la entrevistadora consigue hábilmente sonsacar a algunos de estos visitantes. Es cierto que este vídeo es un juego sucio (no se pixelan los rostros) y pone en ridículo a las personas que aparecen , pero también pone de manifiesto el snobismo y la pretensiones "intelectualoides" que desgraciadamente han conseguido hacer mella en el público por parte de todos estos "especuladores-manipuladores-contemporáneo-vanguardistas-conceptuales" del arte actual.

Quizás este vídeo sirva para reflexionar sobre el daño que toda esta farsa provoca en el arte actual.

¿Qué pasa con el arte?

2011-03-12T03:27:00.000-08:00

Asistimos desde hace ya algunos años a un paulatino olvido del Arte. Este afán consumista y competitivo en el que nos vemos arrastrados lo ha relegado a un objeto innecesario o de especulación. Los estamentos públicos y los medios de comunicación, que tendrían que ser los responsables de promocionar y dar a conocer al gran público esta cualidad casi espiritual que posee el ser humano, hacen una muy precaria labor. Como mucho organizan y promueven algunas exposiciones de los artistas del pasado que ya están consagrados o se empeñan en promocionar un arte "vanguardista y transgresor" que en la mayoría de los casos es indiferente a la mirada del público aficionado.

Fotos manipuladas por mi. La versión original pertenece a Jorge Lizana y podéis verla pinchando aquí

Versión original aquí

¿Qué pasa con aquellos artistas que no entran en este circo de excentricidades?: Intentan abrirse camino luchando desesperadamente contra el olvido en el que han quedado relegados . Algunos, los más afortunados, exponen sus obras en galerías de arte, pero el alto precio que conlleva el montaje de una exposición, unido a la poca afluencia de visitantes hace de dicha empresa un negocio ruinoso.

Mi deseo sería concienciar a los estamentos responsables y medios de comunicación, que se ocupen de mostrar al gran público que una buena obra de Arte no es siempre prohibitiva en cuanto a su precio, que puede ser también alimento del espíritu, que no es un objeto más de consumo que se usa y se tira, que es única e irrepetible, que se puede gozar con ella e incluso amarla. Pero para amar algo hay que conocerlo, y en esto último, los estamentos culturales pueden hacer una gran labor, “alimentando” a la sociedad a través de los poderosos servicios mediáticos de que disponen. Las escuelas deberían instruir más profundamente a los más jóvenes mostrándoles “in situ” la belleza del Arte en los museos , para que cuando lleguen a la edad adulta, visitar un museo o una Galería de arte sea tan normal como visitar una boutique de moda.

Los críticos de los periódicos podrían escribir más sobre las diferentes exposiciones que se realizan, animando al público a visitarlas e incluso escribiendo críticas negativas de aquellas muestras que no sean de calidad. Si se escribiese la mitad sobre Arte que lo que se escribe por ejemplo sobre las noticias del corazón o sobre fútbol, todo sería muy diferente.

En cuanto a la radio existen afortunadamente algunas excepciones, ya que su diversidad de programas hace posible poder elegir en algunas emisoras temáticas más culturales.

Muy pocas excepciones encontramos por desgracia en la televisión. Este monstruo despiadado, que consigue hacer atractivo aquello que no lo es, que con gran habilidad ensalza e idolatra a personajes absolutamente mediocres e incluso rastreros, que propaga el mal gusto y la mala educación, debería hacer un acto de contrición y remediar en lo posible el daño causado. Este monstruo que tiene el poder de llegar tan fácilmente a la intimidad de cualquier hogar, debería realizar su labor de una manera diferente a cómo lo está haciendo hasta el momento, es decir, dando cabida a otras programaciones con más contenido sustancial que a las que nos tienen acostumbrados.

De continuar en esta carrera de consumo masificado, devorando compulsivamente cualquier producto por el simple hecho de estar bien promocionado, en la que cualquier rareza es considerada como arte y convertida en dinero gracias a la habilidad de algunos, nuestras posibilidades de reconocer lo verdadero están destinadas al fracaso. Por contrapartida, el buen Arte, y me refiero a cualquier vertiente del arte, ya sea la pintura, la música, las letras o el cine, quedarán estancados en el olvido y aplastados por la mediocridad.

Si nuestros gobiernos no invierten este proceso anticultural en el que estamos sometidos, el verdadero Arte, aquel que consigue llegar hasta lo más profundo de nuestro ser, aquel que nos hace diferentes de las otras especies del planeta, aquel que como decía Kandinsky “produce un sonido interior”, quedará irremisiblemente relegado al desconocimiento, a su extinción, o en el mejor de los casos al recuerdo nostálgico de unos pocos.

Vagabundos de lujo

2011-03-01T15:24:00.000-08:00

El pasado mes de Febrero me tomé unas vacaciones voluntarias e hice un crucero por el Mediterráneo en compañía de mi novia Roser.

No conocía yo las costumbres de estos viajes por mar, ya que era mi primer crucero, pero la norma en estos barcos es comer en grupos de varias personas. No tenía yo esto muy asumido pero, cosas del destino, nos tocaron como compañeros de mesa una pareja con la que enseguida nos sentimos identificados y congeniamos rápidamente. Eran Boris y su novia Victoria; pasamos una semana entrañable, comiendo y bebiendo a todo trapo (¡Pero con moderación, eh!) y llena de conversaciones y de intercambios enriquecedores que hicieron nuestro viaje mucho más intenso.

Algunos pensaréis ¿bueno, y esto que tiene que ver con el arte en un blog que trata de arte? Pues resulta que Boris es músico, y un músico de los que hacen arte. Me regaló uno de sus CDs, que pude escuchar con calma una vez de regreso a mi casa y que hizo las delicias de mis sentidos.

Boris, de origen alemán, estudió la carrera de música y guitarra, instrumento que domina a la perfección. Actualmente forma grupo con Denis de nacionalidad rusa, también guitarrista excepcional, que sin embargo no pude conocer personalmente. Ellos dos solos forman Vagabundos de lujo, un dúo de guitarras ciertamente de lujo. Ambos vienen de culturas diferentes, tocan ritmos diferentes. Boris ha bebido de la música más occidental, blues, rock, celta, flamenco y cualquier ritmo que emana desde el interior; contrariamente Denis ha estudiado la música de tendencia oriental, étnica, rusa, hindú, árabe, y de esta combinación de culturas resulta una poción mágica llena de fuerza, de originalidad, a veces altamente expresiva, a veces llena de melancolía, pero siempre profunda, diría que es música para la imaginación... música para ver con los ojos cerrados. Vagabundos de lujo no cantan, no les hace falta, sus dos guitarras les sobran y les bastan para expresar sus sentimientos y sus historias sin necesidad de palabras. Con todos estos ritmos aparentemente tan distanciados pero excelentemente fusionados, nos deleitan y consiguen acercarnos a otras culturas musicales tan desconocidas para nosotros.

Desde hace varios años su residencia es Ibiza, que Boris conoce desde su infancia, y aunque ellos no están en las listas de "Hits", son ya reconocidos en la isla, en la que tienen muchos adeptos y de la que han hecho su lugar de inspiración y de trabajo. Pero mejor os paso un vídeo de la televisíon de Ibiza, en el que podréis oír de su propia voz sus influencias y como no su música.

Antes de terminar, una pequeña reflexión: parece ser que en la música ocurre lo mismo que en la pintura y me imagino que en todas las artes; generalmente y paradójicamente los talentos siempre están en la sombra mientras que los mediocres se llevan toda la gloria... pero ¿quiénes son los que realmente consiguen llegar a la gloria?

En este primer enlace encontraréis una entrevista que les hacen en la televisión de Ibiza y también su música. Pero vamos al grano que esto no debe esperar: un sonido vale más que mil palabras.

Espero que disfrutéis con ellos...

VAGABUNDOS DE LUJO

... y aquí podéis ver uno de sus conciertos en vivo.

The Graphic Arts Club Band

2011-02-12T10:24:00.000-08:00

Os quiero hacer participes del nuevo proyecto que hemos creado un grupo de enamorados del arte, la ilustración, la comunicación y la industria gráfica. Se trata de "The Graphic Arts Club Band" una nueva plataforma de creación, producción y venta en la que aplicamos nuestro arte y nuestros diseños a objetos cotidianos.

¡Arte para tocar, arte para usar!

Espero que os guste

The Graphic Arts Club Band

El arte de Horacio Guillermo Montes

2011-01-30T03:57:00.000-08:00

Nuevamente el artista Horacio Guillermo Montes, del que ya os hablé hace un tiempo en una de mis últimas crónicas, ha interpretado una de mis obras en su original técnica de bajorrelieve en madera, y con la particularidad de que las piezas pueden desmontarse y volverse a montar como si se tratase de un rompecabezas.

En esta ocasión ha interpretado una de mis obras de figura femenina, "Chica con vestido Blanco". Con gran acierto sintetiza en varias piezas el conjunto de la obra, y todo con una increíble habilidad para modelar la madera en unas dimensiones tan reducidas de 12 x 16 x 2 cm.

Como siempre: una imagen vale más que mil palabras.

Obra de Guillermo Martí Ceballos

"Chica con vestido blanco", 100x100cm - 2009 - Acrílico sobre madera

Escultura desarmable (tipo rompecabezas) interpretación lúdica a partir de una pintura de Guillermo Martí Ceballos de igual título. Obra realizada en madera de Medidas: 12 x 16 x 2 cm

Galimatías literario en el arte actual

2011-01-13T08:51:00.000-08:00

Cuando uno intenta profundizar sobre el sentido y la coherencia de la terminología usada en el conceptual mundo del arte actual, te da la sensación de que tu ignorancia es extrema, ya que no se consigue entender casi nada de lo que se está leyendo. En la mayoría de las críticas sobre arte de los periódicos o magazines, una serie de palabras “biensonantes”, entrelazadas con singular ingenio, intentan explicar las intenciones y la calidad plástica de un artista que probablemente ni el propio artista podrá entender. Tomemos al azar uno de esos breves escritos:”… Es un artista que se caracteriza por desarrollar una idea plástica con notable coherencia, seguridad en su trabajo y fidelidad a ese pensamiento que traduce en formas muy personales, como las “planoetrías”, definidas como volúmenes que evolucionan en un único plano. Su obra es un trabajo de evidente sutileza, con diferentes sugestiones lineales y estructurales capaces de diversificación en la materia, en la forma y en la proyección espacial, a la vez que sugestivos valores de rítmica musicalidad plástica en el proceso creativo”

Forges

En estas imágenes el sátiro humor de Forges nos describe su visión de manera muy gráfica

Leído esto tengo que reconocer que he entendido las palabras pero no el contenido, y sé que esta ignorancia no es políticamente correcta ni conveniente para posicionarme en un lugar privilegiado de la élite artística. Lo políticamente correcto es dar la sensación ante los demás de que este lenguaje intelectualoide nos es familiar y que no existe ninguna duda sobre su comprensión. Algunos podrán rebatir que todas estas palabras adquieren un sentido cuando se ve la obra, pero yo les aseguro que teniendo delante la obra, ni el mismísimo Nietzsche o Kafka podrían descifrar semejante galimatías. Por otra parte, resulta curioso que en todas estas críticas, siempre se ensalza y masajea al autor de la obra, nunca se le critica de manera negativa como se hacía antaño en la época del impresionismo y en los comienzos del siglo XX. Leyendo estos textos tan “biensonantes” resulta que todos los artistas son el “no va más” dentro del mundo artístico; un vapuleo a tiempo, merecido y bien argumentado por un buen conocedor del arte, podría ser un buen remedio para acabar con tanta mediocridad.

Pero continuando con algunas de estas palabras tan utilizadas y manoseadas actualmente en el mundo artístico -literario, hay dos términos en especial que me producen una especial aversión: me refiero concretamente a “contemporáneo” y “vanguardia. Al escuchar o leer estas palabras me siento un proscrito, como si yo no perteneciera o no tuviese la capacidad de pertenecer a este grupo de “contemporaneovanguardistas” de la “gran élite artística”; en definitiva me dan un cierto repelús y me siento marginado en el más puro sentido de la palabra. Cada vez que oigo esas dos palabrejas o las veo escritas en alguno de estos numerosos magazines de arte o en cualquier otro medio de comunicación, me desconcierto, no consigo entenderlas ni saber si yo, un ser humano que vive en este siglo XXI y que intenta hacer su trabajo lo más acorde posible con el tiempo en el que vive, pertenezco o puedo pertenecer a esta categoría de privilegiados.

Lo cierto es que no, rotundamente no pertenezco ni me siento identificado ni implicado con ellas, y no porque etimológicamente no esté de acuerdo con esta definición (del latín “contemporaneus”, existente al mismo tiempo que otra persona o cosa), sino porque simplemente estoy en desacuerdo con el sentido que le pretenden dar algunos espabilados artistas y sus secuaces en su propio beneficio. Para esta élite de “pensadores” el arte actual debe ser transgresor, romper con todas las normas establecidas, sorprender, ser original a cualquier precio y de cualquier manera, y todo ello en detrimento del oficio de pintor, del simple hecho de pintar, de pintar con profesionalidad, utilizando con buen criterio el uso del color, la composición acertada y el buen gusto por las cosas bellas y bien elaboradas, en definitiva, que la estética prevalezca sobre la idea y el concepto, que esté por encima de la “literatura” que estos “pensadores” pretenden hacernos creer ver cuando miramos un cuadro o cualquier otra “creación” que intentan hacer pasar por arte. La creatividad de una obra de arte no consiste en hacer algo “rompedor”, excéntrico y que nadie haya imaginado nunca (en la mayoría de los casos suele ser de mal gusto), sino que en la propia realización personal y única de un artista de talento, la originalidad y la creatividad aparecen y fluyen espontáneamente, igual que la caligrafía de cada persona es única e inimitable. La gente corriente, la gente de la calle, que es la gran mayoría y que es en definitiva a la que van dirigidas las obras que los artistas realizan, no entienden lo que ven ante sus ojos cuando miran este tipo de obras “antiarte”, no les llega al alma y en la mayoría de las ocasiones esta confusión hace que exclamen: “¡Es que yo no entiendo de pintura!”.

Centre Georges Pompidour

Dos imágenes de arte conceptual

Pero para gozar de la pintura no es primordial entender de pintura; la pintura y el buen arte se siente, se ama, toca nuestra fibra interior, se escucha como se escucha la buena música y según la sensibilidad de cada persona se aprecia y se disfruta de manera diferente, pero nadie debe hacer “literatura”, hacer que nos guste mediante la palabra aquello que no nos llega a nuestro corazón a través de la vista. Sí, es bien cierto, que si conocemos la evolución de la pintura y sus diferentes “ismos”, en definitiva, si la conocemos más profundamente, nos será más fácil apreciar y diferenciar el buen arte del que no lo es, pero nunca debemos dejarnos influenciar por la verborrea de unos cuantos malabaristas de la palabra, que entrelazando algunos términos sofisticados y de difícil comprensión (que nadie, ni siquiera ellos mismos comprenden) intentan hacernos ver la trascendencia de algo que es insustancial y carece de valor artístico.

Sí se puede, mediante la palabra del buen crítico o entendido (y con ello quiero dejar claro que sí existen buenos y auténticos historiadores y comentaristas de arte), abrirnos al conocimiento y mostrarnos con claridad el porqué aquel artista ha compuesto o elaborado aquellos colores y cómo de esta manera ha conseguido aquel resultado que tanto nos deleita, pero nunca dejarnos embaucar por explicaciones conceptuales e incomprensibles por parte de personas que no están capacitadas para ello.

La otra palabra que me resulta urticante, “vanguardia”, que en el sentido artístico significa “aquellas tendencias artísticas que se afirman por el rechazo de pautas anteriores y ponen en entredicho las mismas premisas de su ámbito anterior”, también se tendría que entender no en un sentido tan radical como estos nuevos “vanguardistas” pretenden atribuirle. Ningún artista auténtico que se precie rechaza de manera radical las tendencias anteriores; todo lo contrario, las considera, las analiza, las conoce y a partir de ellas las hace evolucionar consiguiendo una nueva forma de hacer propia. Las pautas anteriores le sirven para desarrollar su manera particular y diferente de expresarse. Es una evolución lógica, una ayuda más que un rechazo sistemático.

Después de la pintura que llamamos clásica o el realismo de principios del XIX, ya a finales de este mismo siglo los impresionistas evolucionaron hacia una pintura más abreviada, en la que el detalle perdía parte de su valor en favor de la espontaneidad de la pincelada, descomponiendo la luz que incidía sobre los objetos de manera más fragmentada. Más tarde los postimpresionistas dieron un giro al arte de la pintura liberando la forma y el color según sus propias sensaciones, utilizando y transformando estas dos herramientas en función de la superficie del cuadro, consiguiendo de esta manera una mayor expresividad plástica. Pero todo esto se sucedía de una manera escalonada, razonada, con una buena base artística, con el oficio previamente bien aprendido.

Ciertamente también existía una “vanguardia” que eran todos estos nuevos “ismos” emergentes y una pintura oficial que marcaba las pautas y los cánones a seguir, y había rivalidad entre los nuevos movimientos de vanguardia y un deseo por liberarse de la pintura oficial más academicista, pero siempre con un profundo conocimiento y respeto por los logros pictóricos conseguidos en otra épocas. Los propios artistas escribían, editaban revistas o almanaques con su grupo de seguidores, ya fueran artistas, poetas, escritores o músicos y hablaban acerca de la cultura y de la actualidad del arte en general, pero siempre o casi siempre con un conocimiento exhaustivo de la materia. Si se conocen algunas de estas manifestaciones literario-artísticas como el Almanaque Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), grupo formado en Munich en 1912 por Vasily Kandinsky y Franz Marc, o las teorías de los franceses puntillistas como Signac y Seurat, o la correspondencia escrita entre los propios artistas del grupo Nabis como Paul Gauguin y sus seguidores Maurice Denis, Emile Bernard o entre los fauvistas Matisse y Derain y, por otro lado, el gran Delaunay que desarrolló la teoría del efecto simultáneo de los colores complementarios, uno se da cuenta de la solidez y el conocimiento profundo, científico y artístico de sus reflexiones. Basta dar una leída a todo este gran despliegue de talento artístico y bien razonado para darse cuenta de que la “literatura” del arte actual deja mucho que desear. Y lo más negativo de todo ello es que toda esta operación de “marketing” y “literatura” barata y engañosa lleva al público aficionado a un desconcertante desconocimiento del verdadero buen arte. Confiemos en que esta lucha, que sin lugar a dudas, deberá enfrentar en un futuro a intelectuales, escritores, críticos, aficionados al arte y artistas, que reconocen el verdadero valor del trabajo de calidad y bien elaborado, contra los que pretenden hacer del arte un negocio fácil, ponga las cosas en su lugar y desenmascare a toda esta “troupe” de farsantes haciendo que toda esta mediocridad caiga por su propio peso.

En cada una de estas obras que os expongo a continuación vemos la belleza en estado puro, simplemente son bellas y no necesitan palabras para ser comprendidas, y como podéis apreciar en las obras de Kandinsky y Delaunay no necesariamente deben ser figurativas para seguir siendo bellas.

Paul Signac (1863-1935)

Georges Seurat (1859-1891)

Paul Gauguin (1848-1903)

Emile Bernard (1868-1941)

Maurice Denis (1870-1943)

Franz Marc (1880-1916)

Wassily Kandinski (1866-1944)

Robert Delaunay (1885-1947)

André Derain (1880-1954)

Henri Matisse (1869-1954)